ROCK PSICODELICO / Clasico y Contemporaneo (Programa 4)

PRIMERA PARTE Amigas y amigos, les damos la bienvenida a una nueva audición de CDF. Hoy continuando con el ciclo en que exploraremos los orígenes y el desarrollo del Rock Psicodélico, retornamos a la escena británica, para encontrarnos con un caso particular de confluencia británico- estadounidense; el álbum debut de la agrupación THE JIMI HENDRIX EXPERIENCE, un Power Trio conformado por el gran guitarrista estadounidense Jimi Hendrix y por los británicos Noel Redding en el bajo y Mitch Mitchel en la batería. Hendrix había llegado a New York en el año 1966 y formaría la banda JIMMY JAMES AND THE BLUE FLAMES. Se dice que quien descubrió el talento de Hendrix fue la modelo británica Linda Keith, quien tuvo la oportunidad de escuchar a Hendrix en “The Cheetah Club” en Nueva York, recomendándolo primero, sin éxito, al manager de The Rolling Stones, Andrew Loog Oldham, y posteriormente a Chas Chandler, bajista de The Animals, quien quedo sorprendido con el virtuosismo del guitarrista de Seatlle, invitándolo a Londres el 24 de septiembre de 1966. Allí Hendrix conformaría la banda THE JIMI HENDRIX EXPERIENCE con los ya nombrados Noel Redding en el bajo y Mitch Mitchel en la batería, y publicarían en mayo de 1967 su álbum debut “Are you Experience”, cuya versión estadounidense está fechada en agosto del mismo año. “Are you Experienced” se convertiría en uno de los debuts más impresionantes en la historia del rock y uno de los álbumes definitivos de la era psicodélica. Jimi Hendrix sintetizó varios elementos del rock vanguardista de 1967 en música que sonaba futurista y enraizada en las mejores tradiciones del rock, el blues, el pop y el soul. Amigas y amigos, con ustedes: TEH JIMI HENDRIX EXPERIENCE y su álbum debut “Are you Experienced” • ARE YOU EXPERIENCE – Tracks 1 a 6 (19:08 minutos)

SEGUNDA PARTE “Are you Experienced” le dio a Hendrix su primera oportunidad de mostrar su estilo único, que comprende riffs y solos de guitarra eléctrica cargados de retroalimentación, excelente composición de canciones de blues/rock, efectos de sonido psicodélicos y trabajo vocal influenciado por el rhythm and blues, lo que ayudó a lanzar a la banda al centro de atención internacional. Jimi Hendrix, Mitch Mitchell y Noel Redding entregaron una soberbia colección de canciones en las que asimilaban todo lo hecho hasta entonces en el rock (rock and roll, blues, soul, pop, psicodelia,..y hasta algo de jazz), y lo enfocaban hacia el futuro, dejando boquiabierta a toda una generación, y removiendo las conciencias creativas de los músicos de la época. Con temas inmortales como “Foxy Lady”, “Fire”, “Love or Confusion”, “Are You Experienced” y “Manic Depression”, el disco -especialmente la edición americana, que también incluía los singles británicos “Hey Joe”, “Purple Haze”, y “The Wind Cries Mary”- es prácticamente un “Grandes Exitos” en sí mismo. Amigas y amigos los invitamos a continuar escuchando en CDF, el álbum debut de THE JIMI HENDRIX EXPERIENCE: “Are you Experienced” del año 1967 • ARE YOU EXPERIENCE – Tracks 7 a 11 (19:46 minutos)

TERCERA PARTE Un mes después de publicado en Inglaterra el álbum debut de THE JIMI HENDRIX EXPERIENCE, la banda realizó una presentación memorable en el Festival Pop de Monterey, el domingo 18 de junio de 1967, haciendo parte de un cartel de destacados músicos, entre los que estaban Jefferson Airplane, The Who, The Grateful Dead, Janis Joplin, Eric Burdon and the Animals, Otis Redding... entre otros. THE JIMI HENDRIX EXPERIENCE fue presentada por Brian Jones, guitarrista de los Stones y durante los 40 minutos que duró su presentación, interpretaron canciones como ‘Foxy Lady’, ‘Like a Rolling Stone’, ‘Hey Joe’, ‘The Wind Cries Mary’ y ‘Purple Haze’. El set ya era memorable y la banda decidió cerrar con el clásico de The Troggs, ‘Wild Thing’. Durante la interpretación de esa canción, ocurrió un momento que se convirtió en leyenda: Jimi Hendrix destrozó su Fender Stratocaster, le arrojó un líquido incandescente y procedió a incendiar su guitarra en un ritual que hipnotizó a quienes tuvieron oportunidad de presenciarlo. De la presentación de THE JIMI HENDRIX EXPERIENCE en el Festival Pop de Monterey del año 1967, compartimos con ustedes las canciones: The Wind Cries Mary y Purple Haze. • MONTEREY POP FESTIVAL CD8 Tracks 9 y 10 (7:59 minutos)

ROCK PSICODELICO / Clasico y Contemporaneo (Programa 1)

PRIMERA PARTE Amigas y amigos, les damos la bienvenida a una nueva audición de CDF. Hoy iniciando un nuevo ciclo en el que exploraremos los orígenes y el desarrollo del Rock Psicodélico, que tiene actualmente una renovada vigencia a nivel mundial. El rock Psicodélico tuvo formas de expresión diferenciadas en EEUU y en Inglaterra y se reconocen dos canciones germinales, una a cada lado del Atlántico: The Trip de Kim Fowley y Tomorrow Never Knows de The Beatles "¡El verano está aquí, niños, y es hora de hacer un viaje!” dice Fowley; mientras que The Beatles, expresan en el último track de su mítico Revolver: “Apaga tu mente, relájate y sumérgete / No está muriendo…Deja todos los pensamientos, ríndete al vacío / Está brillando” Kim Fowley y The Beatles, en 1965, sembrando las semillas del rock Psicodélico, aquí en CDF. Bienvenidos • Ther Trip – Kim Fowley (2:01) • Tomorrow Never Knows – The Beatles (2:57)

SEGUNDA PARTE Los Antecedentes de la Psicodelia musical se encuentran en la química, a partir de los experimentos realizados por el suizo Albert Hoffman, con la Dietilamida de Ácido Lisérgico (1938) y en la utilización del término Psyquedelic por parte del psiquiatra británico Humphre Osmand en el año 1957, para referirse a los efectos del LSD, como Lo que manifiesta el alma. Otros antecedentes se encuentran en la obra The Doors Of Perception (Las Puertas de la Percepción) del escritor y filósofo británico Aldous Huxley, publicada en 1954 y en el libro La Experiencia Psicodélica. Un manual basado en el libro tibetano de los muertos, escrito por Timothy Leary, en colaboración con Ralrh Metzner y Richard Alpert, Leary es considerado como uno de los padres del Hippismo y su relación e influencia en los músicos y bandas de finales de los años 60s fue determinante para dar origen a la vertiente Psicodélica del Rock. Amigas y amigos. Los dejamos en compañía de la banda estadounidense 13TH FLOOR ELEVATORS, y su álbum The Psychedelic Sounds Of The 13Th Floor Elevators, publicado en noviembre de 1966, reconocido mundialmente como el álbum germinal del rock Psicodélico. • The Psychedelic Sounds Of The 13Th Floor Elevators / Tracks 1 a 4 (13:36)

TERCERA PARTE Fundada en Austin, Texas, por el cantante/guitarrista rítmico Roky Erickson†, el “jarrista” Tommy Hall y el guitarrista líder Stacy Southerland†, los 13th Floor Elevators pasarían a la historia, entre otras cosas, por ser uno de los primeros grupos musicales en definir su obra bajo el término “rock psicodélico”. 13th Floor Elevators debutó el 13 de diciembre de 1965 en Austin, Texas, y fue la primera banda en describirse a sí misma como psicodélica. Su formación es derivada de las bandas The Lingsmen y The Spades, cuyo cantante principal era Roky Erickson, constituido en toda una leyenda a raíz de su expresa adhesión al LSD, que le valió una pronta detención y tratamientos de electroshocks que lo marcaron de por vida. • The Psychedelic Sounds Of The 13Th Floor Elevators / Tracks 5 a 8 (12:26)

CUARTA PARTE El nombre de la banda The 13Th Floor Elevators, proviene del hecho de que la mayoría de los edificios en los EE. UU. no tienen un piso 13; así que, el mensaje de la banda era simple: Si quieres llegar al piso 13, es decir a un nuevo nivel de conciencia, debes subir al ascensor que te llevara hasta allí, es decir, la música propuesta por la banda…obviamente el motor de dicho ascensor era el LSD The Psychedelic Sounds Of The 13Th Floor Elevators se publicó en octubre de 1966 y aunque en el mismo mes también se publicaron los álbumes «Psychedelic Lollipop« de los newyorkinos The Blue Magoos y «Psychedelic Moods» de la efímera banda The Deep, en los cuales tambien se menciona la palabra Psyquedelic, el álbum de los 13Th Floor Elevators es el primero en ser musical e integralmente Psicodelico Amigas y amigos, los invitamos a continuar escuchando a 13Th Floor Elevators y su álbum debut de 1966 The Psychedelic Sounds Of The 13Th Floor Elevators, en versión remasterizada de 2005. • The Psychedelic Sounds Of The 13Th Floor Elevators / Tracks 9 a 11 (8:32)

QUINTA PARTE Otro gran músico pionero del rock Psicodélico fue el escoces DONOVAN, quien emergió a mediados de los años sesenta como cantante folk, lo que le valió ser llamado el Bob Dylan británico, pero pronto se liberó de esa etiqueta convirtiéndose en uno de los mayores representantes de la psicodelia de mediados y finales de los sesenta, con un estilo único y muy personal, incorporando en su música la sitar, percusiones indias, el clavecín, el órgano Hammond y los instrumentos de orquesta; el resultado fue una combinación de Jazz, Folk Rock, Psicodelia y Chamber Pop. Cerramos esta audición con DONOVAN y sus psicodélicas Sunshine Superman, y Season of the Witch extractadas de su tercer álbum de estudio de 1966, que contó con la participación de Jimmy Page en guitarras y John Paul Jones en el bajo • Sunshine Superman - Donovan (3:16) • Season of the Witch – Donovan (4:58)

JETHRO TULL - The Zealot Gene

PRIMERA PARTE Amigas y amigos, les damos la bienvenida a una nueva audición de Clásicos del Futuro. A partir de hoy en horario de 9 a 10 de la noche, que nos permitirá, sin duda, acercarnos a una franja adicional de oyentes, para disfrutar juntos de los mejor del rock progresivo clásico y contemporáneo. Durante estos primeros meses de 2023 venimos desarrollando una serie de programas dedicados a explorar los mejor del progresivo publicado en 2022. Hoy escucharemos el último álbum de la banda inglesa JETHRO TULL, publicado el 28 de enero de 2022, titulado The Zealot Gene (El Gen Fanático). The Zealot Gene se compone de 12 pistas que, según los propios miembros de la banda, tratan de explorar y reinterpretar distintos relatos, algunos de ellos bíblicos, como la traición de Judas a Jesús y la historia de Moisés y su relación con Dios; sin embargo, otras pistas abordan referencias críticas a la sociedad y a figuras políticas determinadas, populismos peligrosos y el abuso del alcohol y las sustancias entre los adolescentes. Amigas y amigos, con ustedes la inagotable banda inglesa JETHRO TULL y su último álbum del año 2022: The Zealot Gene. Bienvenidos. SEGUNDA PARTE Estamos escuchando hoy en Clásicos del Futuro, el último trabajo musical de la banda inglesa JETHRO TULL, titulado The Zealot Gene y considerado por gran la crítica especializada como una de las mejores publicaciones del rock progresivo en 2022. The Zealot Gene se originó en enero de 2017, cuando el vocalista y flautista Ian Anderson comenzó a escribir nuevas canciones para un álbum inicialmente pensado como trabajo solista, pero rápidamente transformado en un álbum de Jethro Tull, dado que la banda que había acompañado a Anderson en sus últimos trabajos se había convertido en una de las más duraderas en su historia musical. En 2017 ellos alcanzaron a grabar 7 pistas y suspendieron durante 2018 y 2019 las grabaciones, para dar cumplimiento a su gira mundial del aniversario 50 de la banda Tras el brote de la pandemia de COVID-19 y los confinamientos posteriores, a principios de 2021, Anderson decidió culminar las partes restantes permitiendo que cada miembro grabara desde su propia casa y realizando posteriormente un trabajo de ensamblaje. Para julio de 2021, el álbum estaba completo y entregado a la discográfica y seria publicado el 28 de enero de 2022 Amigas y amigos, los invitamos a continuar escuchando en Clásicos del Futuro el último trabajo musical de Jethro Tull: The Zealot Gene. TERCERA PARTE En la página web oficial de la banda se anuncia para el próximo 21 de abril de 2023 la publicación de un nuevo trabajo musical titulado: Rökflöte, “…un disco de 12 pistas basado en los personajes y roles de algunos de los dioses principales del antiguo paganismo nórdico, y en el que se hace un homenaje a la 'RökFlöte' - flauta de rock - que Jethro Tull ha convertido en un icono. Un álbum del cual se conoce ya la canción Ginnungagap, cuyo video oficial fue publicado en el canal youtube de la banda, el pasado 20 de enero de 2023 y que compartimos con ustedes hoy en esta audición de Clásicos del Futuro. Ver video oficial de la cancion Ginnungagap: https://youtu.be/KoBAD-TRxYA

KING GIZZARD & THE LIZARD WIZARD - “Flying Microtonal Banana" (2017)

PRIMERA PARTE Amigas y amigos les damos la bienvenida a una nueva audición de CDF. Hoy continuando con el miniciclo de lo mejor del rock progresivo australiano, el turno es para la banda psicodélica KING GIZZARD & THE LIZARD WIZARD con su álbum "Flying Microtonal Banana" del año 2017, lanzado por Flightless Records en Australia, ATO Records en los Estados Unidos y Heavenly Recordings en el Reino Unido. Referenciamos aquí la presentación general del álbum que realiza Diego Moral en el portal “El quinto Beatle”. Dice Moral: “Los agitadores del actual rock psicodélico comienzan su particular maratón de cinco discos publicados en un año. Y, contraviniendo cualquier consejo para una carrera de fondo, empiezan haciendo volteretas” Y es verdad, la mejor banda psicodélico-progresiva de Australia KING GIZZARD & THE LIZARD WIZARD es una banda prolífica en producción musical; entre los años 2012 y 2020 ha publicado 16 álbumes, lo que representa un promedio de 2 álbumes por año, y en el año 2017 publicaron cinco álbumes, iniciando con “Flying Microtonal Banana": Nueve canciones en las que la banda deja atrás la tonalidad occidental y producir una obra con instrumentos microtonales y para evocar la música oriental y ofrecer como resultado una mezcla de sonidos indios y árabes con la psicodelia intrínseca de la banda. Amigas y amigos, con ustedes KING GIZZARD & THE LIZARD WIZARD (Rey Molleja y el Mago Lagarto) “Flying Microtonal Banana" (“Plátano Microtonal Volador” SEGUNDA PARTE Estamos escuchando hoy en CDF a través de la Emisora Cultural de Pereira (97.7 fm) a la banda australiana de rock progresivo psicodélico KING GIZZARD & THE LIZARD WIZAR con su álbum “Flying Microtonal Banana", publicado en el año 2017 La espiral de la psicodelia es infinita y la banda KING GIZZARD AND THE LIZARD WIZARD lo saben bien; es más, solo se necesitan unas cuantas ideas y saber crear una imaginería propia para dejar marca en el género. Algo que los australianos llevan haciendo desde hace unos años, desde el caleidoscópico arte de sus discos hasta sus vídeos galácticos, con unas canciones que dialogan con los clásicos sin caer nunca en el revival insustancial. El líder de la banda, Stu Mackenzie, se erige aquí como el gurú lisérgico de una propuesta que también remite a las melodías de juguete del “bubblegum” californiano de los sesenta, pasando por un filtro oriental y un tipo de rock que no suena rancio, sino más bien todo lo contrario; respirando desparpajo y vida. Cerramos esta presentación de la banda australiana KING GIZZARD AND THE LIZARD WIZARD y de su novena producción musical «Flying Microtonal Banana», referenciando los comentarios de Sebas Rosas en el portal Binaural: «Flying Microtonal Banana» es una apuesta a todo o nada de unos muchachos que ya han dejado de ser una promesa para ganarse un espacio más que merecido en la escena psicodélica garajera. Son un tornado que sigue experimentando sin bajar el pie del acelerador, un monstruo de siete cabezas. Ellos no tienen miedo, siempre explorando límites y viendo hasta dónde pueden llevar ciertas ideas y conceptos que, además, ejecutan casi a la perfección. Siete mentes entusiastas, siempre gravitando hacia lo diferente, lejos de su zona de confort. Creatividad y curiosidad en estado puro. Se les puede acusar de muchas cosas pero King Gizzard and The Lizzard Wizard logran conjugar una mezcla de anarquía y experimentación para marcar otro hito en su desafío de alcanzar una nueva dimensión sónica.” Amigas y amigos, les invitamos a continuar disfrutando de la mejor banda psicodélica contemporánea, la agrupación australiana KING GIZZARD AND THE LIZARD WIZAR, con su álbum del año 2017: «Flying Microtonal Banana». CDF-KG & TLW (2017)

LE SILO (Japon) - "Kesamino" (2014)

El trío japonés Le Silo regresó en 2014 con Kesamino, un álbum donde resurge, luego de casi una década sin publicar ningún álbum, con su admirable calidad compositiva e interpretativa. Está de vuelta la atonalidad, los bruscos cambios rítmicos y giros inesperados, y su subyacente capa de jazz. “En Kesamino”, LE SILO alterna la intensidad con la calma, la disonancia con el aspecto melódico, y el rigor compositivo con algunos libres solos de guitarra y de batería. Los oídos ajenos a la discografía de Le Silo encontrarán aquí algo de su agrado si antes escucharon otras bandas japonesas como Tipographica, Koenjihyakkei o Pochakaite Malko. Pero incluso quienes gustan de grupos por fuera de Japon como Absolute Zero, Ahvak o Thinking Plague, tienen garantizado un descubrimiento agradable. Este trío nació en 1999 de las cenizas del grupo MIYAKO WITH ELEGANT PUNK y pasó a llamarse LE SILO, cuando el grupo rompió su contrato con Warner. Emulsivas, generosas e inventivas, las composiciones del tercer álbum de SILO se ubican en el marco del Rock In Opposition (del que se constituyen en una de las bandas más inventivas de Tokio). La llegada de SILO en 2006 al Festival MIMI, le proporciono a la banda un reconocimiento internacional. El grupo realizó posteriormente una gira por Rusia en 2009 y luego por Europa en 2012, actuando el 21 de septiembre de 2014 en el festival RIO de Carmaux, así como en el 1er festival RIO de Tokio el 15 de noviembre del mismo año. El trabajo de composición en LE SILO, está a cargo de la pianista MIYAKO KANAZAWA, quien contribuye con nueve de las trece pistas del álbum. Ella fue miembro del colectivo japonés de progresivo Zeuhl KOENJIHYAKKEI, liderado por Tatsuya Yoshida. Acompañan a KANAZAWA, el guitarrista YOSHIHARU IZUTSU y el baterista MICHIAKI SUGANUMA, quienes hacían parte originalmente en otra influyente banda de vanguardia del Japón, llamada ELEGANT PUNK. CDF LS2014

OFRENDA (Vytas Brennen) - "La ofrenda de Vytas Brennen" (1973) y "Jayeche" (1975)

PRIMERA PARTE. Amigas y amigos les damos la bienvenida a una nueva audición de CLASICOS DEL FUTURO. Hoy continuando nuestro recorrido por todos los rincones de Latinoamérica para encontrar las mejores propuestas musicales asociadas al rock progresivo, hacemos escala en Venezuela, en donde nos encontramos con algunas de las obras más emblemáticas del progresivo ecléctico, de la mano del gran compositor multiinstrumentista Vytas Brenner, nacido en Tübingen (Alemania) en 1946, cuya familia tuvo que emigrar a Venezuela cuando el apenas tenía tres años, huyendo de los nazis. Vivió un tiempo en Barcelona (Cataluña, España) donde grabó su primer disco como Brenner's Folk (un EP con cuatro canciones de aire folk en catalán en el que también participaron su hermano Haakon, el guitarrista Toti Soler y la cantante Jeanette). En Caracas, comenzó una carrera como músico en los años 1970 con la banda "La Ofrenda" donde experimentó un crecimiento artístico enorme, iniciando muy temprano su trabajo pionero con composiciones para las combinaciones de instrumentos eléctricos y electrónicos con instrumentos acústicos y piano; y combinando rock sinfónico, ritmos latinos, y temas tradicionales venezolanos, con resultados asombrosos. Amigas y amigos los invitamos a escuchar en nuestro primer fragmento del programa apartes del álbum “Jayeche”, de la agrupación venezolana OFRENDA, liderada por Vytas Brenner, publicado en el año 1975. Bienvenidos

SEGUNDA PARTE. Estamos escuchando hoy en CLASICOS DEL FUTURO a través de la Emisora Cultural de Pereira, a la banda venezolana OFRENDA, liderada por el multiinstrumentista Vytas Brenner, quien se constituye en una de las esas “gemas” raras del progresivo latinoamericano, quien a pesar de ser uno de los primeros íconos progresistas del continente, rara vez se menciona incluso en su propio país. Era alemán pero nunca tuvo contacto con sus raíces alemanas, por lo que finalmente era sobretodo un venezolano más, y quizás uno de los ejemplos en los que evidenciamos el aprecio que por las raíces culturales latinoamericanas tienen los extranjeros, incluso mas que los propios latinos. La música de Vytas Brenner es rica en imágenes de la cultura venezolana, a las que aplica las capas progresivas sinfónicas europeas para desarrollar una interesante propuesta de fusión. Rica también en instrumentación, desde los principales instrumentos del folk venezolano (cuatro, arpa, maracas) e incorporando guitarras eléctricas, sintetizadores, órgano e instrumentos sinfónicos. Vytas no solo retrató la tradición venezolana en la música, sino que los títulos de las canciones hacen referencias a símbolos nacionales de la flora, la fauna y la geografía. Como ocurre en el álbum “La Ofrenda de Vytas Brenner”, una obra bien elaborada, bien ejecutada y bien producida, que, aunque toma prestado algunos elementos del movimiento sinfónico europeo, no suena en nada a Genesis, Yes u otros pilares progresivos británicos; es un pilar en sí mismo que, lamentablemente, tuvo menos influencia que sus contemporáneos. Sin duda, una obra maestra de del rock progresivo folk-sinfónico latinoamericano. Con ustedes, en CLASICOS DEL FUTURO: Vytas Brenner y apartes de su álbum “La ofrenda de Vytas Brenner, del año 1973. Si vas a comentarios estaras muy agradecido.

DECIBEL - MELIES Musica inspirada en los films de George Melies

Con una larga trayectoria de más de 40 años, DECIBEL es considerado como uno de los grupos pioneros del rock progresivo en México. En 2012, el quinteto compuso ocho temas que fueron inspirados directamente por cortometrajes del cineasta francés precursor de los efectos especiales. Simplemente música sin fronteras que no se estaciona en ningún género ni es complaciente con nadie. El material contiene los siguientes filmes musicalizados: • El Eclipse (1907), • El Inquilino Diabólico (1909), • Viaje a través del imposible (1904), • Tchin-Chao (1904), • Foto a larga distancia inalámbrica (1908), y la mejor cinta de Melie: • El Viaje a la Luna (1902). La musicalización de estas obras de Melie fue compuesta y grabada en la Ciudad de México por el tecladista Carlos Robledo, el bajista Walter Schmidt, Alejandro Sánchez en violín, Alex Eisenring en guitarra y sintetizadores, Javier Baviera en saxo y el invitado especial Carlos Vivanco en guitarra. En entrevista al grupo Decibel realizada por Viridiana Villegas Hernández y publicada en el periódico “El Financiero”, el bajista de DEIBEL, Walter Schmidt, afirma acerca de este trabajo musical: “…El cine de Melies es muy estimulante para músicos con nuestras características, que utilizamos mucho la música electrónica y el ruido en las composiciones. La música que nosotros creamos tiende a adaptarse muy bien para acompañar trabajos cinematográficos de esta naturaleza que, en el caso de Méliès, son considerados vanguardistas en el género de la ciencia ficción… …Méliès es un álbum más electrónico, incluimos más secuencias y cintas pregrabadas porque las películas de este realizador se prestan mucho para todos estos efectos. La música de Decibel es bastante ambiental y, además, procuramos la enfatización de ciertos incidentales; por ejemplo, el sonido de un tren cuando aparece una de estas maquinarias en pantalla, o ruidos de martillazos acordes a las imágenes reproducidas por el cinematógrafo. Tratamos de acercarnos de manera muy concreta a los filmes… …Nuestro trabajo siempre ha involucrado a la música concreta, los sonidos electrónicos, experimentales y la improvisación libre; pienso que todo esto es lo que con el paso del tiempo nos ha nutrido, y siento hoy más que nunca que la música de Decibel posee más sentido escucharla acompañando el transcurso de una película.” Si vas a comentarios estaras muy agradecido.