RETOMA 2026

Reiniciamos publicaciones, hoy 2 de junio de 2026, reseñando el ciclo de programas especiales que estamos transitiendo durante los meses de Abril, Mayo y Junio, para conmemorar nuestro 35 aniversario, vinculados a la Emisora Cultural de Pereira. El proposito de dichos programas especiales es recordar lo mejor de nuestra programacion durante los años 90s, decada en que iniciamos la difusion de las manifestaciones clasicas y contemporaneas del rock progresivo, inialmente con la denominacion MUSICA DE LA NUEVA ERA y posteriormente con el nombre que mantenemos hasta la actualidad: CLASICOS DEL FUTURO. Hemos desarrollado ya 8 programas especiales, con el siguiente repertorio de musicos,agrupados en sus correspondientes subgeneros. I Deuter Freh Air Mannheim Steamroller II Tangerine Dream Klaus Schulze Ashra III Enya Blackmores Night Lorenna McKennitt IV Walter Carlos Tomita V William Akerman David Arkestone Suzanne Ciani VI Kraftwerk NEU! La Dusseldorf VII Philip Glass Michael Nyman Penguin Cafe Orchestra VIII Ray Manzareck EL&P VA: Jeff Beck / Jethro Tull / YES / Manfred Mann´s Earth Band / Dead Can Dance

ROCK PSICODELICO / Clasico y Contemporaneo (Programa 4)

PRIMERA PARTE Amigas y amigos, les damos la bienvenida a una nueva audición de CDF. Hoy continuando con el ciclo en que exploraremos los orígenes y el desarrollo del Rock Psicodélico, retornamos a la escena británica, para encontrarnos con un caso particular de confluencia británico- estadounidense; el álbum debut de la agrupación THE JIMI HENDRIX EXPERIENCE, un Power Trio conformado por el gran guitarrista estadounidense Jimi Hendrix y por los británicos Noel Redding en el bajo y Mitch Mitchel en la batería. Hendrix había llegado a New York en el año 1966 y formaría la banda JIMMY JAMES AND THE BLUE FLAMES. Se dice que quien descubrió el talento de Hendrix fue la modelo británica Linda Keith, quien tuvo la oportunidad de escuchar a Hendrix en “The Cheetah Club” en Nueva York, recomendándolo primero, sin éxito, al manager de The Rolling Stones, Andrew Loog Oldham, y posteriormente a Chas Chandler, bajista de The Animals, quien quedo sorprendido con el virtuosismo del guitarrista de Seatlle, invitándolo a Londres el 24 de septiembre de 1966. Allí Hendrix conformaría la banda THE JIMI HENDRIX EXPERIENCE con los ya nombrados Noel Redding en el bajo y Mitch Mitchel en la batería, y publicarían en mayo de 1967 su álbum debut “Are you Experience”, cuya versión estadounidense está fechada en agosto del mismo año. “Are you Experienced” se convertiría en uno de los debuts más impresionantes en la historia del rock y uno de los álbumes definitivos de la era psicodélica. Jimi Hendrix sintetizó varios elementos del rock vanguardista de 1967 en música que sonaba futurista y enraizada en las mejores tradiciones del rock, el blues, el pop y el soul. Amigas y amigos, con ustedes: TEH JIMI HENDRIX EXPERIENCE y su álbum debut “Are you Experienced” • ARE YOU EXPERIENCE – Tracks 1 a 6 (19:08 minutos)

SEGUNDA PARTE “Are you Experienced” le dio a Hendrix su primera oportunidad de mostrar su estilo único, que comprende riffs y solos de guitarra eléctrica cargados de retroalimentación, excelente composición de canciones de blues/rock, efectos de sonido psicodélicos y trabajo vocal influenciado por el rhythm and blues, lo que ayudó a lanzar a la banda al centro de atención internacional. Jimi Hendrix, Mitch Mitchell y Noel Redding entregaron una soberbia colección de canciones en las que asimilaban todo lo hecho hasta entonces en el rock (rock and roll, blues, soul, pop, psicodelia,..y hasta algo de jazz), y lo enfocaban hacia el futuro, dejando boquiabierta a toda una generación, y removiendo las conciencias creativas de los músicos de la época. Con temas inmortales como “Foxy Lady”, “Fire”, “Love or Confusion”, “Are You Experienced” y “Manic Depression”, el disco -especialmente la edición americana, que también incluía los singles británicos “Hey Joe”, “Purple Haze”, y “The Wind Cries Mary”- es prácticamente un “Grandes Exitos” en sí mismo. Amigas y amigos los invitamos a continuar escuchando en CDF, el álbum debut de THE JIMI HENDRIX EXPERIENCE: “Are you Experienced” del año 1967 • ARE YOU EXPERIENCE – Tracks 7 a 11 (19:46 minutos)

TERCERA PARTE Un mes después de publicado en Inglaterra el álbum debut de THE JIMI HENDRIX EXPERIENCE, la banda realizó una presentación memorable en el Festival Pop de Monterey, el domingo 18 de junio de 1967, haciendo parte de un cartel de destacados músicos, entre los que estaban Jefferson Airplane, The Who, The Grateful Dead, Janis Joplin, Eric Burdon and the Animals, Otis Redding... entre otros. THE JIMI HENDRIX EXPERIENCE fue presentada por Brian Jones, guitarrista de los Stones y durante los 40 minutos que duró su presentación, interpretaron canciones como ‘Foxy Lady’, ‘Like a Rolling Stone’, ‘Hey Joe’, ‘The Wind Cries Mary’ y ‘Purple Haze’. El set ya era memorable y la banda decidió cerrar con el clásico de The Troggs, ‘Wild Thing’. Durante la interpretación de esa canción, ocurrió un momento que se convirtió en leyenda: Jimi Hendrix destrozó su Fender Stratocaster, le arrojó un líquido incandescente y procedió a incendiar su guitarra en un ritual que hipnotizó a quienes tuvieron oportunidad de presenciarlo. De la presentación de THE JIMI HENDRIX EXPERIENCE en el Festival Pop de Monterey del año 1967, compartimos con ustedes las canciones: The Wind Cries Mary y Purple Haze. • MONTEREY POP FESTIVAL CD8 Tracks 9 y 10 (7:59 minutos)

ROCK PSICODELICO / Clasico y Contemporaneo (Programa 1)

PRIMERA PARTE Amigas y amigos, les damos la bienvenida a una nueva audición de CDF. Hoy iniciando un nuevo ciclo en el que exploraremos los orígenes y el desarrollo del Rock Psicodélico, que tiene actualmente una renovada vigencia a nivel mundial. El rock Psicodélico tuvo formas de expresión diferenciadas en EEUU y en Inglaterra y se reconocen dos canciones germinales, una a cada lado del Atlántico: The Trip de Kim Fowley y Tomorrow Never Knows de The Beatles "¡El verano está aquí, niños, y es hora de hacer un viaje!” dice Fowley; mientras que The Beatles, expresan en el último track de su mítico Revolver: “Apaga tu mente, relájate y sumérgete / No está muriendo…Deja todos los pensamientos, ríndete al vacío / Está brillando” Kim Fowley y The Beatles, en 1965, sembrando las semillas del rock Psicodélico, aquí en CDF. Bienvenidos • Ther Trip – Kim Fowley (2:01) • Tomorrow Never Knows – The Beatles (2:57)

SEGUNDA PARTE Los Antecedentes de la Psicodelia musical se encuentran en la química, a partir de los experimentos realizados por el suizo Albert Hoffman, con la Dietilamida de Ácido Lisérgico (1938) y en la utilización del término Psyquedelic por parte del psiquiatra británico Humphre Osmand en el año 1957, para referirse a los efectos del LSD, como Lo que manifiesta el alma. Otros antecedentes se encuentran en la obra The Doors Of Perception (Las Puertas de la Percepción) del escritor y filósofo británico Aldous Huxley, publicada en 1954 y en el libro La Experiencia Psicodélica. Un manual basado en el libro tibetano de los muertos, escrito por Timothy Leary, en colaboración con Ralrh Metzner y Richard Alpert, Leary es considerado como uno de los padres del Hippismo y su relación e influencia en los músicos y bandas de finales de los años 60s fue determinante para dar origen a la vertiente Psicodélica del Rock. Amigas y amigos. Los dejamos en compañía de la banda estadounidense 13TH FLOOR ELEVATORS, y su álbum The Psychedelic Sounds Of The 13Th Floor Elevators, publicado en noviembre de 1966, reconocido mundialmente como el álbum germinal del rock Psicodélico. • The Psychedelic Sounds Of The 13Th Floor Elevators / Tracks 1 a 4 (13:36)

TERCERA PARTE Fundada en Austin, Texas, por el cantante/guitarrista rítmico Roky Erickson†, el “jarrista” Tommy Hall y el guitarrista líder Stacy Southerland†, los 13th Floor Elevators pasarían a la historia, entre otras cosas, por ser uno de los primeros grupos musicales en definir su obra bajo el término “rock psicodélico”. 13th Floor Elevators debutó el 13 de diciembre de 1965 en Austin, Texas, y fue la primera banda en describirse a sí misma como psicodélica. Su formación es derivada de las bandas The Lingsmen y The Spades, cuyo cantante principal era Roky Erickson, constituido en toda una leyenda a raíz de su expresa adhesión al LSD, que le valió una pronta detención y tratamientos de electroshocks que lo marcaron de por vida. • The Psychedelic Sounds Of The 13Th Floor Elevators / Tracks 5 a 8 (12:26)

CUARTA PARTE El nombre de la banda The 13Th Floor Elevators, proviene del hecho de que la mayoría de los edificios en los EE. UU. no tienen un piso 13; así que, el mensaje de la banda era simple: Si quieres llegar al piso 13, es decir a un nuevo nivel de conciencia, debes subir al ascensor que te llevara hasta allí, es decir, la música propuesta por la banda…obviamente el motor de dicho ascensor era el LSD The Psychedelic Sounds Of The 13Th Floor Elevators se publicó en octubre de 1966 y aunque en el mismo mes también se publicaron los álbumes «Psychedelic Lollipop« de los newyorkinos The Blue Magoos y «Psychedelic Moods» de la efímera banda The Deep, en los cuales tambien se menciona la palabra Psyquedelic, el álbum de los 13Th Floor Elevators es el primero en ser musical e integralmente Psicodelico Amigas y amigos, los invitamos a continuar escuchando a 13Th Floor Elevators y su álbum debut de 1966 The Psychedelic Sounds Of The 13Th Floor Elevators, en versión remasterizada de 2005. • The Psychedelic Sounds Of The 13Th Floor Elevators / Tracks 9 a 11 (8:32)

QUINTA PARTE Otro gran músico pionero del rock Psicodélico fue el escoces DONOVAN, quien emergió a mediados de los años sesenta como cantante folk, lo que le valió ser llamado el Bob Dylan británico, pero pronto se liberó de esa etiqueta convirtiéndose en uno de los mayores representantes de la psicodelia de mediados y finales de los sesenta, con un estilo único y muy personal, incorporando en su música la sitar, percusiones indias, el clavecín, el órgano Hammond y los instrumentos de orquesta; el resultado fue una combinación de Jazz, Folk Rock, Psicodelia y Chamber Pop. Cerramos esta audición con DONOVAN y sus psicodélicas Sunshine Superman, y Season of the Witch extractadas de su tercer álbum de estudio de 1966, que contó con la participación de Jimmy Page en guitarras y John Paul Jones en el bajo • Sunshine Superman - Donovan (3:16) • Season of the Witch – Donovan (4:58)

JETHRO TULL - The Zealot Gene

PRIMERA PARTE Amigas y amigos, les damos la bienvenida a una nueva audición de Clásicos del Futuro. A partir de hoy en horario de 9 a 10 de la noche, que nos permitirá, sin duda, acercarnos a una franja adicional de oyentes, para disfrutar juntos de los mejor del rock progresivo clásico y contemporáneo. Durante estos primeros meses de 2023 venimos desarrollando una serie de programas dedicados a explorar los mejor del progresivo publicado en 2022. Hoy escucharemos el último álbum de la banda inglesa JETHRO TULL, publicado el 28 de enero de 2022, titulado The Zealot Gene (El Gen Fanático). The Zealot Gene se compone de 12 pistas que, según los propios miembros de la banda, tratan de explorar y reinterpretar distintos relatos, algunos de ellos bíblicos, como la traición de Judas a Jesús y la historia de Moisés y su relación con Dios; sin embargo, otras pistas abordan referencias críticas a la sociedad y a figuras políticas determinadas, populismos peligrosos y el abuso del alcohol y las sustancias entre los adolescentes. Amigas y amigos, con ustedes la inagotable banda inglesa JETHRO TULL y su último álbum del año 2022: The Zealot Gene. Bienvenidos. SEGUNDA PARTE Estamos escuchando hoy en Clásicos del Futuro, el último trabajo musical de la banda inglesa JETHRO TULL, titulado The Zealot Gene y considerado por gran la crítica especializada como una de las mejores publicaciones del rock progresivo en 2022. The Zealot Gene se originó en enero de 2017, cuando el vocalista y flautista Ian Anderson comenzó a escribir nuevas canciones para un álbum inicialmente pensado como trabajo solista, pero rápidamente transformado en un álbum de Jethro Tull, dado que la banda que había acompañado a Anderson en sus últimos trabajos se había convertido en una de las más duraderas en su historia musical. En 2017 ellos alcanzaron a grabar 7 pistas y suspendieron durante 2018 y 2019 las grabaciones, para dar cumplimiento a su gira mundial del aniversario 50 de la banda Tras el brote de la pandemia de COVID-19 y los confinamientos posteriores, a principios de 2021, Anderson decidió culminar las partes restantes permitiendo que cada miembro grabara desde su propia casa y realizando posteriormente un trabajo de ensamblaje. Para julio de 2021, el álbum estaba completo y entregado a la discográfica y seria publicado el 28 de enero de 2022 Amigas y amigos, los invitamos a continuar escuchando en Clásicos del Futuro el último trabajo musical de Jethro Tull: The Zealot Gene. TERCERA PARTE En la página web oficial de la banda se anuncia para el próximo 21 de abril de 2023 la publicación de un nuevo trabajo musical titulado: Rökflöte, “…un disco de 12 pistas basado en los personajes y roles de algunos de los dioses principales del antiguo paganismo nórdico, y en el que se hace un homenaje a la 'RökFlöte' - flauta de rock - que Jethro Tull ha convertido en un icono. Un álbum del cual se conoce ya la canción Ginnungagap, cuyo video oficial fue publicado en el canal youtube de la banda, el pasado 20 de enero de 2023 y que compartimos con ustedes hoy en esta audición de Clásicos del Futuro. Ver video oficial de la cancion Ginnungagap: https://youtu.be/KoBAD-TRxYA

KING GIZZARD & THE LIZARD WIZARD - “Flying Microtonal Banana" (2017)

PRIMERA PARTE Amigas y amigos les damos la bienvenida a una nueva audición de CDF. Hoy continuando con el miniciclo de lo mejor del rock progresivo australiano, el turno es para la banda psicodélica KING GIZZARD & THE LIZARD WIZARD con su álbum "Flying Microtonal Banana" del año 2017, lanzado por Flightless Records en Australia, ATO Records en los Estados Unidos y Heavenly Recordings en el Reino Unido. Referenciamos aquí la presentación general del álbum que realiza Diego Moral en el portal “El quinto Beatle”. Dice Moral: “Los agitadores del actual rock psicodélico comienzan su particular maratón de cinco discos publicados en un año. Y, contraviniendo cualquier consejo para una carrera de fondo, empiezan haciendo volteretas” Y es verdad, la mejor banda psicodélico-progresiva de Australia KING GIZZARD & THE LIZARD WIZARD es una banda prolífica en producción musical; entre los años 2012 y 2020 ha publicado 16 álbumes, lo que representa un promedio de 2 álbumes por año, y en el año 2017 publicaron cinco álbumes, iniciando con “Flying Microtonal Banana": Nueve canciones en las que la banda deja atrás la tonalidad occidental y producir una obra con instrumentos microtonales y para evocar la música oriental y ofrecer como resultado una mezcla de sonidos indios y árabes con la psicodelia intrínseca de la banda. Amigas y amigos, con ustedes KING GIZZARD & THE LIZARD WIZARD (Rey Molleja y el Mago Lagarto) “Flying Microtonal Banana" (“Plátano Microtonal Volador” SEGUNDA PARTE Estamos escuchando hoy en CDF a través de la Emisora Cultural de Pereira (97.7 fm) a la banda australiana de rock progresivo psicodélico KING GIZZARD & THE LIZARD WIZAR con su álbum “Flying Microtonal Banana", publicado en el año 2017 La espiral de la psicodelia es infinita y la banda KING GIZZARD AND THE LIZARD WIZARD lo saben bien; es más, solo se necesitan unas cuantas ideas y saber crear una imaginería propia para dejar marca en el género. Algo que los australianos llevan haciendo desde hace unos años, desde el caleidoscópico arte de sus discos hasta sus vídeos galácticos, con unas canciones que dialogan con los clásicos sin caer nunca en el revival insustancial. El líder de la banda, Stu Mackenzie, se erige aquí como el gurú lisérgico de una propuesta que también remite a las melodías de juguete del “bubblegum” californiano de los sesenta, pasando por un filtro oriental y un tipo de rock que no suena rancio, sino más bien todo lo contrario; respirando desparpajo y vida. Cerramos esta presentación de la banda australiana KING GIZZARD AND THE LIZARD WIZARD y de su novena producción musical «Flying Microtonal Banana», referenciando los comentarios de Sebas Rosas en el portal Binaural: «Flying Microtonal Banana» es una apuesta a todo o nada de unos muchachos que ya han dejado de ser una promesa para ganarse un espacio más que merecido en la escena psicodélica garajera. Son un tornado que sigue experimentando sin bajar el pie del acelerador, un monstruo de siete cabezas. Ellos no tienen miedo, siempre explorando límites y viendo hasta dónde pueden llevar ciertas ideas y conceptos que, además, ejecutan casi a la perfección. Siete mentes entusiastas, siempre gravitando hacia lo diferente, lejos de su zona de confort. Creatividad y curiosidad en estado puro. Se les puede acusar de muchas cosas pero King Gizzard and The Lizzard Wizard logran conjugar una mezcla de anarquía y experimentación para marcar otro hito en su desafío de alcanzar una nueva dimensión sónica.” Amigas y amigos, les invitamos a continuar disfrutando de la mejor banda psicodélica contemporánea, la agrupación australiana KING GIZZARD AND THE LIZARD WIZAR, con su álbum del año 2017: «Flying Microtonal Banana». CDF-KG & TLW (2017)

LE SILO (Japon) - "Kesamino" (2014)

El trío japonés Le Silo regresó en 2014 con Kesamino, un álbum donde resurge, luego de casi una década sin publicar ningún álbum, con su admirable calidad compositiva e interpretativa. Está de vuelta la atonalidad, los bruscos cambios rítmicos y giros inesperados, y su subyacente capa de jazz. “En Kesamino”, LE SILO alterna la intensidad con la calma, la disonancia con el aspecto melódico, y el rigor compositivo con algunos libres solos de guitarra y de batería. Los oídos ajenos a la discografía de Le Silo encontrarán aquí algo de su agrado si antes escucharon otras bandas japonesas como Tipographica, Koenjihyakkei o Pochakaite Malko. Pero incluso quienes gustan de grupos por fuera de Japon como Absolute Zero, Ahvak o Thinking Plague, tienen garantizado un descubrimiento agradable. Este trío nació en 1999 de las cenizas del grupo MIYAKO WITH ELEGANT PUNK y pasó a llamarse LE SILO, cuando el grupo rompió su contrato con Warner. Emulsivas, generosas e inventivas, las composiciones del tercer álbum de SILO se ubican en el marco del Rock In Opposition (del que se constituyen en una de las bandas más inventivas de Tokio). La llegada de SILO en 2006 al Festival MIMI, le proporciono a la banda un reconocimiento internacional. El grupo realizó posteriormente una gira por Rusia en 2009 y luego por Europa en 2012, actuando el 21 de septiembre de 2014 en el festival RIO de Carmaux, así como en el 1er festival RIO de Tokio el 15 de noviembre del mismo año. El trabajo de composición en LE SILO, está a cargo de la pianista MIYAKO KANAZAWA, quien contribuye con nueve de las trece pistas del álbum. Ella fue miembro del colectivo japonés de progresivo Zeuhl KOENJIHYAKKEI, liderado por Tatsuya Yoshida. Acompañan a KANAZAWA, el guitarrista YOSHIHARU IZUTSU y el baterista MICHIAKI SUGANUMA, quienes hacían parte originalmente en otra influyente banda de vanguardia del Japón, llamada ELEGANT PUNK. CDF LS2014

OFRENDA (Vytas Brennen) - "La ofrenda de Vytas Brennen" (1973) y "Jayeche" (1975)

PRIMERA PARTE. Amigas y amigos les damos la bienvenida a una nueva audición de CLASICOS DEL FUTURO. Hoy continuando nuestro recorrido por todos los rincones de Latinoamérica para encontrar las mejores propuestas musicales asociadas al rock progresivo, hacemos escala en Venezuela, en donde nos encontramos con algunas de las obras más emblemáticas del progresivo ecléctico, de la mano del gran compositor multiinstrumentista Vytas Brenner, nacido en Tübingen (Alemania) en 1946, cuya familia tuvo que emigrar a Venezuela cuando el apenas tenía tres años, huyendo de los nazis. Vivió un tiempo en Barcelona (Cataluña, España) donde grabó su primer disco como Brenner's Folk (un EP con cuatro canciones de aire folk en catalán en el que también participaron su hermano Haakon, el guitarrista Toti Soler y la cantante Jeanette). En Caracas, comenzó una carrera como músico en los años 1970 con la banda "La Ofrenda" donde experimentó un crecimiento artístico enorme, iniciando muy temprano su trabajo pionero con composiciones para las combinaciones de instrumentos eléctricos y electrónicos con instrumentos acústicos y piano; y combinando rock sinfónico, ritmos latinos, y temas tradicionales venezolanos, con resultados asombrosos. Amigas y amigos los invitamos a escuchar en nuestro primer fragmento del programa apartes del álbum “Jayeche”, de la agrupación venezolana OFRENDA, liderada por Vytas Brenner, publicado en el año 1975. Bienvenidos

SEGUNDA PARTE. Estamos escuchando hoy en CLASICOS DEL FUTURO a través de la Emisora Cultural de Pereira, a la banda venezolana OFRENDA, liderada por el multiinstrumentista Vytas Brenner, quien se constituye en una de las esas “gemas” raras del progresivo latinoamericano, quien a pesar de ser uno de los primeros íconos progresistas del continente, rara vez se menciona incluso en su propio país. Era alemán pero nunca tuvo contacto con sus raíces alemanas, por lo que finalmente era sobretodo un venezolano más, y quizás uno de los ejemplos en los que evidenciamos el aprecio que por las raíces culturales latinoamericanas tienen los extranjeros, incluso mas que los propios latinos. La música de Vytas Brenner es rica en imágenes de la cultura venezolana, a las que aplica las capas progresivas sinfónicas europeas para desarrollar una interesante propuesta de fusión. Rica también en instrumentación, desde los principales instrumentos del folk venezolano (cuatro, arpa, maracas) e incorporando guitarras eléctricas, sintetizadores, órgano e instrumentos sinfónicos. Vytas no solo retrató la tradición venezolana en la música, sino que los títulos de las canciones hacen referencias a símbolos nacionales de la flora, la fauna y la geografía. Como ocurre en el álbum “La Ofrenda de Vytas Brenner”, una obra bien elaborada, bien ejecutada y bien producida, que, aunque toma prestado algunos elementos del movimiento sinfónico europeo, no suena en nada a Genesis, Yes u otros pilares progresivos británicos; es un pilar en sí mismo que, lamentablemente, tuvo menos influencia que sus contemporáneos. Sin duda, una obra maestra de del rock progresivo folk-sinfónico latinoamericano. Con ustedes, en CLASICOS DEL FUTURO: Vytas Brenner y apartes de su álbum “La ofrenda de Vytas Brenner, del año 1973. Si vas a comentarios estaras muy agradecido.

DECIBEL - MELIES Musica inspirada en los films de George Melies

Con una larga trayectoria de más de 40 años, DECIBEL es considerado como uno de los grupos pioneros del rock progresivo en México. En 2012, el quinteto compuso ocho temas que fueron inspirados directamente por cortometrajes del cineasta francés precursor de los efectos especiales. Simplemente música sin fronteras que no se estaciona en ningún género ni es complaciente con nadie. El material contiene los siguientes filmes musicalizados: • El Eclipse (1907), • El Inquilino Diabólico (1909), • Viaje a través del imposible (1904), • Tchin-Chao (1904), • Foto a larga distancia inalámbrica (1908), y la mejor cinta de Melie: • El Viaje a la Luna (1902). La musicalización de estas obras de Melie fue compuesta y grabada en la Ciudad de México por el tecladista Carlos Robledo, el bajista Walter Schmidt, Alejandro Sánchez en violín, Alex Eisenring en guitarra y sintetizadores, Javier Baviera en saxo y el invitado especial Carlos Vivanco en guitarra. En entrevista al grupo Decibel realizada por Viridiana Villegas Hernández y publicada en el periódico “El Financiero”, el bajista de DEIBEL, Walter Schmidt, afirma acerca de este trabajo musical: “…El cine de Melies es muy estimulante para músicos con nuestras características, que utilizamos mucho la música electrónica y el ruido en las composiciones. La música que nosotros creamos tiende a adaptarse muy bien para acompañar trabajos cinematográficos de esta naturaleza que, en el caso de Méliès, son considerados vanguardistas en el género de la ciencia ficción… …Méliès es un álbum más electrónico, incluimos más secuencias y cintas pregrabadas porque las películas de este realizador se prestan mucho para todos estos efectos. La música de Decibel es bastante ambiental y, además, procuramos la enfatización de ciertos incidentales; por ejemplo, el sonido de un tren cuando aparece una de estas maquinarias en pantalla, o ruidos de martillazos acordes a las imágenes reproducidas por el cinematógrafo. Tratamos de acercarnos de manera muy concreta a los filmes… …Nuestro trabajo siempre ha involucrado a la música concreta, los sonidos electrónicos, experimentales y la improvisación libre; pienso que todo esto es lo que con el paso del tiempo nos ha nutrido, y siento hoy más que nunca que la música de Decibel posee más sentido escucharla acompañando el transcurso de una película.” Si vas a comentarios estaras muy agradecido.

REINICIO DE ACTIVIDADES

Despues de año y medio sin actividad, retornamos para continuar con la difusion del rock progresivo latinoamericano y mundial. En este primer semestre de 2020, sorprendido con los impactos del COVID-19, hemos iniciado un nuevo ciclo en la RAC, en el cual recorremos los cinco continentes: Europa, Africa, Asia, America (Norte - Centro - Sur)y Oceania, explorando lo mejor del rock progresivo que se produce o se ha producido en ellos.

GAZPACHO "Soyuz" 2018

Retomamos publicaciones, con inicio de nuevo ciclo dedicado a explorar lo mejor del progresivo publicado en lo que va corrido del 2018. Hoy con la banda noruega GAZPACHO y su ultimo trabajo musical titulado "Soyuz". Considerado, desde ya, como uno de los mejores albumes del año. En la pagina oficial de la banda puede leerse lo siguiente: "Los temas de Soyuz nacieron de la idea de cómo transcurren los bellos momentos y no se pueden "guardar para más adelante", por lo que dentro de Soyuz, hay historias interconectadas de personas y vidas "congeladas en el tiempo". Tomando inspiración de una multitud de épocas y temas, incluida la cápsula espacial rusa Soyuz y su icónico capitán Komarov; la práctica funeraria budista tibetana en "Sky Burial"; la inclusión de la grabación más antigua de la voz humana desde 1860 y el “Emperor Bespoke” inspirado en Hans Christian Andersen..."

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200 MOTELS - FRANK ZAPPA - 1971

PRIMERA PARTE Amigas y amigos muy buenas noches. Les damos la bienvenida a una nueva audición de CDF. Hoy continuando con el ciclo CINE Y ROCK PROGRESIVO, estaremos apartes de la obra musical 200 MOTELS realizada por Frank Zappa, para la película surrealista del del mismo nombre realizada por Frank Zappa, en compañía de Tony Palmer y protagonizada por “The Mothers of Invention”, Theodore Bikel, Jimmy Carl Black, Ringo Starr, Martin Lickert, Frank Zappa, Keith Moon y Mark Volman. Tanto el álbum como la película fueron publicados a finales del año 1971. En palabras del propio Zappa, la pelicula es: “…un DOCUMENTAL SURREALISTA. La película es al mismo tiempo un reportaje de sucesos reales y una extrapolación de los mismos. Otros elementos incluidos son "subproductos conceptuales" de los "sucesos reales" extrapolados. De algún modo el contenido de la película es autobiográfico….He estado interesado en el potencial de varios medios visuales desde 1958 cuando empecé a rodar películas de 8 mm. Como compositor, siento que los elementos visuales, organizados utilizando técnicas estructurales normalmente asociadas con la arquitectura musical, proveen posibilidades excitantes para la exploración conceptual. Amigas y amigos, los dejamos en compañía del músico estadounidense Frank Zappa y la banda sonora de su película 200 MOTELS. Bienvenidos SEGUNDA PARTE “Primero que todo, no hay una continuidad cronológica acentuada…”, dice Frank Zappa refiriéndose a la película 200 MOTELS “…Esto se ha hecho para transmitir el tipo de alteración de las referencias espacio-temporales que un grupo puede experimentar de gira. En la carretera, el tiempo viene determinado por cuándo te despierta el “Road Manager”, cuándo sale el avión o el autobús, cuándo montas el equipo en la sala y pruebas el sistema de sonido, cuándo haces el concierto, y lo que haces para divertirte después del show”. “…El espacio es indeterminado…” Continua diciendo Zappa: “…Los moteles se parecen unos a otros. Lo mismo que los aviones y autobuses. Las salas de concierto pueden variar un poco, pero cuando pasan unos años empiezan a mezclarse. Los públicos varían/se mezclan de modo similar. Cuando vamos de gira, especialmente las giras largas, la vida en el grupo empieza a parecerse a la vida en el ejército. Cada concierto es una campaña. En su reconocido estilo sarcástico, termina diciendo Zappa acerca de la película y de la participación de su banda en ella: “…Para el público que ya conoce y aprecia a THE MOTHERS, 200 MOTELS proporcionará una extensión lógica de nuestros conciertos y grabaciones. Para el público que no conoce, que no le importa, pero que todavía se arriesga de vez en cuando con una idea nueva, 200 MOTELS proporcionará una sorprendente introducción al grupo y su trabajo. Para aquellos que no soportan a THE MOTHERS y que siempre han sentido que no somos nada más que un puñado de pervertidos sin oído musical, 200 MOTELS probablemente confirmará sus peores sospechas. Amigas y amigos, los invitamos a continuar escuchando la obra 200 MOTELS del músico y compositor estadounidense Frank Zappa.

MORE - Music from the film More - PINK FLOYD (1969)

PRIMERA PARTE Buenas noches amigas y amigos, les damos la bienvenida a una nueva audición de CDF. Invitandolos a que nos acompañen a partir de hoy, a un extenso ciclo en el que exploraremos la relación entre el rock progresivo y el cine. Y nada mejor para esto que comenzar con la banda sonora encargada a Pink Floyd para la película MORE del director franco-suizo Barbet Schroeder, realizada en el año 1969, cuando ya se había producido el retiro de Syd Barret y la banda contaba ya entre sus miembros con el gran guitarrista David Gilmour. “More” fue la primera toma de contacto de Pink Floyd con el séptimo arte y sin duda se constituye en un momento clave de la carrera musical de la banda, toda vez que fue el momento en el que se forjó el estilo musical y la inspiración que les llevaría a ser el grupo de rock más importante del mundo. Roger Waters y David Gilmour estrecharon lazos y se convirtieron en el motor de la banda, y por primera vez tuvieron la oportunidad de ser los productores exclusivos de un álbum, lo que les proporcionó libertad creativa total. Como banda sonora supuso un antes y un después en el sonido y en el modo de trabajo de Pink Floyd. Aunque el álbum conserva su gusto por la psicodelia se nota la influencia melódica de Roger Waters y la aparición apabullante de David Gilmour con sus primeros solos de guitarra. Trece temas inspirados, diseñados y concebidos en las Pitiusas entre los que destacan “Cymbaline”, “The Nile Song” o “Ibiza Bar. No fue ni el álbum más vendido, ni el de mayor calidad, pero si fue un momento crucial que cambió el destino de la banda y marcó su futuro. Respecto a la película, podríamos decir que “More” se ha convertido en una “cinta” de culto, que muestra una visión descarnada de una época de esperanza, un drama que analiza las diferentes aristas de las drogas, el sexo y la violencia. Ambientada entre un gris París y la colorida vida en las comunas de Ibiza, “More” ha sido considerada la película precursora de la transgresora “Trainspotting”. Verla, representa también una gran oportunidad para disfrutar con las imágenes nostálgicas de la isla de Ibiza a finales de los 60. Amigas y amigos, los dejamos en compañía de la banda inglesa PINK FLOYD y la banda sonora original de la película MORE, del año 1969. Bienvenidos SEGUNDA PARTE “More” es el primer disco de Pink Floyd sin la participación de Syd Barrett, que había abandonado el grupo en 1968 durante las sesiones de grabación de “A Saucerful of Secrets” y también es el primer disco producido por Pink Floyd sin Norman Smith. ¨More¨ se caracterizó por tener un enfoque musical muy diverso, si bien el rock y pop psicodélico de sus inicios todavía se sentía palpable la banda esta vez incursionaba hacia piezas de proto hard rock, el blues, Flamenco y por supuesto el progresivo oscuro que más adelante perfeccionarían en lanzamientos posteriores, por lo que se puede afirmar que se trata de un disco de transición. Había canciones de Rock psicodélico, como “Up the khyber” y “Main theme”, tesituras progresivas oscuras como Cryng song o Cymbaline, así como tambien rock duro y guitarrero en “The nile song” e “Ibiza bar”, el blues del breve instrumental “More Blues”, las guitarras flamencas de Gilmour en “A spanish piece” y el un variado final instrumental con “Dramatic theme” ¨More¨ tanto en el cine como a nivel musical no fue un éxito descollante, y tal vez no sea lo más representativo de Pink Floyd dado su carácter de transición, pero es un disco muy interesante de escuchar para entender los devenires de una de las más grandes bandas de rock de todos los tiempos. CDF

REINICIO - ROCK PROGRESIVO Y CINE

Después de una larga para ocasionada por múltiples ocupaciones, retomamos las riendas del Blog, para acompañar un nuevo ciclo de audiciones de CLÁSICOS DEL FUTURO en la Emisora Cultural de Pereira, dedicado a explorar la relación entre el rock progresivo y el cine. Para ello hemos ido configurando una larga lista en la que relacionamos las principales bandas sonoras realizadas por bandas catalogadas como progresivas. Lista que iremos complementando a mediada que avancemos en la investigación. Algunas de ellas son: PINK FLOYD The wall More Obscured by clouds zabrinskie point POPOL VUH (La mayor parte de las peliculas de Herzog) GOBLIN (La mayor parte de las peliculas de Argento) TANGERINE DREAM (Una larga lista de la cual destacamos las siguientes:) Thief Sorcerer Riski Business Near dark Legend PETER GABRIEL Pasion Birds MIKE OLDFIELD The killing fields Tubular bells (el exorcista) Etude (Recuerdos de la Alhambra) JURGEN FRITZ Hard to be a god ART ZOYD Faust CABEZAS DE CERA El gabinete del dr Caligari IN THE NURSERY VANGELIS Blade Runner Carros de fuego THE WHO Tommy Quadrophenia EDGAR FROESE KLAUS SCHULZE GONG DREAM THEATER Frozen 2 ALAIN GORAGUER La Planete Sauvage VARIOS Children of men JEFF LYNNE Xanadu MORTE MACABRE Symphonic Holocaust FOBONACCIS Terror vision ost QUEENSRYCHE Last action hero TOOL El Laberinto del fauno BOB CHRISTIANSON Vibrations ANDREW POWELL Ladyhawke TOTO / BRIAN ENO Dune NICKLAS BARKER El ultimo fin de semana PASSENGERS Original soundtracks 1 WENDY CARLOS Tron DAFT PUNK Tron: Legacy JOHN CARPENTER Halloween The thing Prince of darkness GONG Continental circus BANCO Garofano Rosso MICHAEL HOENING KEITH EMERSON FRANK ZAPPA 200 Motel THE BEATLES Magical mistery tour Yellow Submarine HERBIE HANCOCK Vengador anonimo ROGER WATERS When the wind blows KITARO Heaven and Earth

RECOMENDADO 24.06.16

ATOMIC ROOSTER CON DAVID GILMOUR. 1983 CDF

Audio Cuarto Programa Rock Progresivo Latinoamericano. Cabezas de Cera: HECHO EN MEXICO / HERMANDAD

CABEZAS DE CERA: Hecho en Mexico / Hermandad

PRIMERA PARTE Buenas noches amigas y amigos les damos la bienvenida a una nueva audición de Clásicos del Futuro. Llegando hoy a nuestro último programa del tercer ciclo dedicado a la exploración del rock progresivo producido en nuestro continente. Esta noche con un invitado muy especial: la banda mexicana CABEZAS DE CERA, a nuestro modo de ver, la propuesta musical más novedosa y vanguardista que existe actualmente en Latinoamérica, en el marco del rock progresivo. Agradecemos a los hermanos Sotelo, quienes conforman actualmente la banda, su valiosa colaboración enviándonos la copia digital de su trabajo musical del año 2007, titulado “HERMANDAD”, el cual estaremos escuchando en el segundo fragmento de este programa. Cabezas de Cera es un grupo de rock progresivo, jazz y música experimental, procedente de México. Su propuesta sonora se caracteriza por la combinación de una instrumentación poco convencional con instrumentos únicos creados por el percusionista del grupo, lo que da como resultado un sonido propio, experimental y contemporáneo, local y al mismo tiempo universal, que encuentra un equilibrio entre lo acústico y lo electrónico. La banda de los hermanos Sotelo, cuenta en su haber con una decena de trabajos musicales y su última aventura experimental fue la musicalización de la película “EL GABINETE DEL DR CALIGARI”, por invitación de la Cinemateca Nacional Mejicana y que dio como resultado lo que se denominó como: “Música en escala de grises”. Ultimo trabajo musical de Cabezas de Cera, que esperamos poder presentar muy pronto en este programa. Iniciamos el primer fragmento de Clásicos del Futuro, invitándolos a escuchar apartes del álbum HECHO EN MEXICO del año 2007, que contiene nueve temas inéditos grabados en directo a lo largo de un año de gira y en el que encontramos al saxofonista: Ramsés Luna, acompañando a Francisco Sotelo en percusión y a Mauricio Sotelo en la interpretación de Grand stick, Chapman stick, Charrofono y guitarras. ¡Bienvenidos!

SEGUNDA PARTE Cabezas de Cera está formado en la actualidad por Mauricio y Francisco Sotelo, dos hermanos que desde hace más de 17 años han demostrado que en Latinoamérica se puede hacer música de excelente calidad. El proyecto musical de los hermanos Sotelo, es una propuesta original y netamente mexicana, aunque con nexos evidentes con la cultura universal. Su sonido único evoca paisajes sonoros surrealistas y una gama de ritmos progresivos y delirantes pocas veces acostumbrado en nuestras latitudes. Uno de sus más recientes trabajos musicales es el álbum “HERMANDAD”, publicado en el año 2012, una producción en la que se profundiza al máximo la exploración creativa, a través de las potencialidades sonoras de los instrumentos creados por la propia banda. Con toda una variedad de técnicas de ejecución, procesamiento electrónico en tiempo real y riqueza tímbrica, este dúo crea espacios sonoros donde las músicas de todos los tiempos se unen en una libertad interpretativa llena de pasajes amplios e instrumentaciones vastas. Musicalmente, el dueto se muestra con un sonido que va de la fusión al rock progresivo y al rock en oposición. El trabajo surgió de una invitación que recibió la banda en el 2011 para componer una serie de temas con los instrumentos hechos en metal por Francisco Sotelo, para ser presentados en el Festival Play, en la Fonoteca Nacional. Hermandad es un disco en el cual habla la madurez. Cabezas de Cera ya posee desde hace años un sonido propio; ahora, a ese discurso tan suyo han incorporado nuevos vocablos, otros giros y diferentes acentos. Los resultados, como ya nos tienen acostumbrados, son de primer nivel, capaces de competir en cualquier escenario del mundo. Haciendo honor al nombre del álbum, los hermanos Sotelo, en un gesto de hermandad latinoamericana, han compartido con nosotros una copia digital de su álbum “HERMANDAD”, publicado oficialmente en el año 2012. Lo cual agradecemos inmensamente, esperando que pronto puedan visitar nuestro país y deleitar a los colombianos con su experimental y vanguardista propuesta musical. Los dejamos entonces en compañía de: • Mauricio Sotelo (guitarra, alto stick y otros artilugios de cuerdas) y • Francisco Sotelo (percusiones, tambores, violín, kalimba y demás) Ellos son CABEZAS DE CERA y su álbum: HERMANDAD.

Audio primer programa Rock Sinfónico. Yes: CLOSE TO THE EDGE

ROCK SINFONICO / YES / CLOSE TO THE EDGE / 1972

PRIMERA PARTE Buenas noches amigas y amigos, les damos la bienvenida a una nueva audición de CDF. Iniciando hoy un nuevo ciclo de programas dedicado a explorar lo mejor del rock progresivo sinfónico. El rock sinfónico es sin duda el sub-género que abarca a la mayoría de las bandas de rock progresivo, e incluso, para muchos analistas es sinónimo de este. Las principales características del rock sinfónico son: • Mezcla de elementos de diferentes géneros. • Compases complejos. • Presencia de teclados • Inteligentes letras, en algunos casos acerca de la literatura fantástica, la ciencia ficción e incluso de cuestiones políticas. • Enfoque no comercial • Formato extenso de las canciones En este caso concreto, la principal característica es la influencia de la música clásica (entendida como obras orquestales creadas a partir de finales del gótico hasta el Clásico Moderno). Es fácil encontrar solos de teclado largas reminiscencias de Johan Sebastian Bach o trabajos melódicas que podría haber sido escrita por Handel. Al igual que en cualquier otro género, las diferentes bandas ofrecen distintos diferentes enfoques de la música clásica, por ejemplo YES y GENESIS son influenciados principalmente por el barroco mientras que EMERSON LAKE & PALMER tiene una predilección por los autores románticos post modernos. Iniciamos este ciclo, invitándolos a escuchar la obra considerada como la más importante y representativa del rock sinfónico, se trata del álbum CLOSE TO THE EDGE, de la banda inglesa YES, publicado en el año 1972, Bienvenidos

SEGUNDA PARTE CLOSE TO THE EDGE es el quinto álbum del grupo británico de rock progresivo Yes y como dato curioso está el hecho de que en junio de 1972, poco después de terminar las grabaciones, el baterista Bill Bruford abandonó la banda obligando a los demás integrantes a encontrar un suplente antes de comenzar su nueva gira en Estados Unidos. Close to the Edge estableció una tendencia recurrente en Yes a incluir una sola canción "épica" mucho más larga que las otras, ocupando completamente una cara del disco. Esto volvió a repetirse en los álbumes Relayer (que incluyó "The Gates of Delirium") y Going for the One (que incluyó "Awaken"). Para CLOSE TO THE EDGE la banda británica YES está conformada por Jon Anderson (voz), Chris Squire (bajo), Steve Howe (guitarra), Rick Wakeman (teclados) y Bill Bruford (batería) “Close to the Edge” es una de las cimas del rock progresivo, un disco imprescindible para cualquiera que desee entender el rock sinfónico, una obra conceptual con influencias religiosas, filosóficas y literarias, con un elevado sentido de lo alegórico, lo espiritual y lo trascendente. La cara B está ocupada por dos canciones: “And you and I” y “Siberian Khatru”, y la cara A contiene la suite “Close to the Edge” -dividida en cuatro movimientos-, para muchos el mejor tema de rock progresivo de todos los tiempos. El álbum CLOSE TO THE EDGE está inspirado en la novela de Hermann Hesse, que narra la vida de Brahmin Siddartha de los 18 a los 60 años, y en donde resaltan dos tópicos: el contraste entre el mundo espiritual y el material, y la idea de que la unidad de todas las cosas es experimentada en un reino eterno. Amigas y amigos, los invitamos a continuar escuchando a la banda inglesa YES y su álbum CLOSE TO THE EDGE, en versión remasterizada y con Bonus Track. Álbum que está considerado por la crítica especializada como el mejor álbum de rock progresivo de todos los tiempos.

MARILLION Misplaced Childhood / Clutching at Straws

PRIMERA PARTE Buenas noches amigas y amigos, bienvenidos a una nueva audición de CDF. Hoy invitándolos al primero de cuatro programas que tendremos durante este mes de julio, dedicados a explorar lo mejor del rock NEOPROGRESIVO. El rock neoprogresivo es un género musical derivado del rock progresivo que alcanzó su auge en la década de 1980 y que se caracteriza por sus emocionales composiciones transmitidas mediante letras oscuras y una cuidada teatralidad en el escenario. La música neo-prog se concentra más en la composición que en la improvisación, dotando a sus canciones de solos de guitarra melódicos y limpios y con envolventes y modernas partes de teclado. Las máximas influencias en los artistas de rock neoprogresivo son sin duda alguna las bandas inglesas pioneras del rock progresivo en los años 70s: Genesis, Yes y Pink Floyd. Marillion es quizás la banda más importante del género, con obras musicales destacadas como Misplaced Childhood y Clutching at Straws. Otras bandas como IQ, Pendragon, Pallas, Jadis o Arena también alcanzaron reconocimiento internacional durante los finales de la década del 80. Este género es a menudo criticado por muchos fans del rock progresivo debido a su falta de originalidad y a su predisposición al mercado musical. A pesar de esta polémica, el neo-prog aún posee una buena base de fans, y varias formaciones permanecen activas hoy en día, teniendo a su favor el hecho indiscutible de su contribución histórica para que el rock progresivo se mantuviera vivo, logrando conectar a las nuevas generaciones con un género, que hoy por hoy tiene una absoluta vigencia. Amigas y amigos, los invitamos a escuchar esta noche en Clásicos del futuro a los pioneros del NEOPROGRESIVO, la banda inglesa MARILLION, con apartes de su clásico álbum Misplaced Childhood, del año 1985. ¡Bienvenidos!.

SEGUNDA PARTE Marillion es una banda británica de rock, formada en Aylesbury, Buckinghamshire, Inglaterra, en 1979, reconocida como la banda más exitosa de las que surgieron de la ola de rock neoprogresivo de Reino Unido de los años ochenta del siglo XX, con quince millones de álbumes vendidos en todo el mundo. Su discografía de estudio desde el año 1982 consta de diecisiete álbumes, los cuales se suelen dividir en dos épocas distintas, determinadas por la marcha del grupo del vocalista original, Fish, a finales de 1988, y la consiguiente llegada a Marillion de Steve Hogarth a comienzos de 1989. Además de Hogarth, forman parte de Marillion el guitarrista Steve Rothery (miembro original), el teclista Mark Kelly (desde diciembre de 1981), el bajista Pete Trewavas (desde 1982) y el percusionista Ian Mosley (desde 1984). Entre los años 1983 y 1994, Marillion consiguió colocar ocho álbumes entre las listas de los más vendidos en Reino Unido, incluyendo un número uno en 1985 con su álbum Misplaced Childhood. Clutching at Straws, su cuarto álbum de estudio, se alejó en parte del estilo pop presente en algunos de sus predecesores y se internó en una exploración más oscura de exceso, alcohol y vida en la carretera, lo cual representaba los esfuerzos que conllevan las giras continuas, que provocaron que Fish decidiera dejar la banda para continuar con su carrera en solitario. Pese a su salida, el éxito comercial del grupo no se vio afectado, pues los temas "Incommunicado", "Sugar Mice"y "Warm Wet Circles" tuvieron una notoria popularidad. El mismo Fish ha afirmado en entrevistas que “Clutching at Straws” es el mejor álbum que grabó con Marillion. Amigas y amigos, los invitamos a escuchar en el segundo fragmento de CDF, apartes del alum Clutching at Straws, publicado por la banda inglesa MARILLION en el año 1987.

HOMENAJE A CHRIS SQUIRE

PRIMERA PARTE Buenas noches, amigas y amigos. El rock progresivo está de luto: El músico británico Chris Squire, cofundador, bajista y compositor del grupo de rock progresivo Yes, falleció este sábado a los 67 años de edad, un mes después de que el propio músico revelara que sufrió una rara forma de leucemia, razón por la cual tuvo que alejarse dela gira de su banda, que promocionaba su último trabajo musical realizado en el año 2014 y de titulo HEAVEN AND EARTH. Nacido el 4 de marzo de 1948 en Kingsbury, en el noroeste de Londres, y de nombre completo Christopher Russell Edward Squire, él fue el único miembro que permaneció en las filas de Yes desde su fundación en el año 1968, por lo que intervino como bajista, compositor, corista y arreglista en todos los discos grabados por la banda, sin discusión alguna una agrupación insigne del mejor rock sinfónico/progresivo de siempre y que estaba conformada en los últimos años por: • Jon Davison – Voz principal y coros, guitarra acústica (pistas 1 y 6) • Steve Howe – guitarras eléctricas, acústicas y coros • Chris Squire – bajo, coros • GeoffDownes – teclados, programación • Alan White – batería, percusión Amigas y amigos, hoy Clásicos del Futuro, rendimos homenaje a Chris Squire invitándolos a escuchar inicialmente su primer trabajo en solitario, considerado un álbum imprescindible en la historia del rock progresivo, el álbum se denomina FISH OUT OF WATER y fue publicado en el año ….

SEGUNDA PARTE Squire, era considerado uno de los mejores bajistas de rock progresivo, por el inconfundible sonido que sacaba a su bajo, marca Rickenbacker 4001, con el que mezclaba dosis iguales de agresividad, dinamismo y melodía. Al tocar, él usaba la técnica conocida como bi-amping, es decir, separar la señal estéreo de su instrumento, por medio de dividir la señal de los micrófonos del bajo en salidas duales de alta y baja frecuencia. Así, las bajas frecuencias las mandaba a un amplificador de bajo convencional, mientras que las de alta las dirigía a otro amplificador pero de guitarra. Con ello conseguía generar un sonido particular, complementado por el empleo de pedales como el wah-wah. Un año antes de aquel debut, Squire formó Yes junto al cantante Jon Anderson, en Londres, y rápidamente sumaron al proyecto al guitarrista Peter Banks, el tecladista Tony Kaye y el baterista Bill Bruford. A lo largo de la extensa y exitosa carrera de la banda de rock progresivo hubo infinidad de cambios de integrantes, pero Squire se mantuvo firme en su puesto y puso su bajo al servicio de Yes durante casi medio siglo. El bajista, además, fuecoautor de variascanciones, entre ellas, "Starship Trooper", "Owner of a Lonely Heart", "I've Seen All Good People" y "Heart of the Sunrise". Amigas y amigos, los invitamos a escuchar en el Segundo fragmento de Clásicos del Futuro algunas de las mejores piezas musicales de la banda YES, en las que Squire tiene una destacada participación. Escucharemos: • StarshipTrooper • Close to theEdge • Roundabout • Heart of theSunrise