KEVIN AYERS CON MIKE OLDFIELD (BAJO)

JOY OF A TOY

http://www.megaupload.com/?d=K1PI8I7F

SOFT MACHINE / KEVIN AYERS

PRIMERA PARTE
Soft Machine fue un grupo inglés de rock progresivo, rock psicodélico y jazz fusión formado en Canterbury en 1966. Su nombre proviene de la novela de William Burroughs The Soft Machine. Son una de las principales bandas de la Escena de Canterbury, la cual se caracterizaba por fusionar la psicodelia con el jazz y el rock progresivo.

Soft Machine fue fundada en 1966 por el vocalista y batería Robert Wyatt, el guitarrista, bajista y vocalista Kevin Ayers, el guitarrista Daevid Allen y el teclista Mike Ratledge. Al poco de comenzar con su actividad, la banda grabó su primer single, Love Makes Sweet Music, y varias maquetas, que fueron publicadas algunos años después. Este material permitió que Soft Machine comenzase su primera gira por Europa, en países como Francia, Alemania y Holanda. De vuelta al Reino Unido, las autoridades de dicho país restringieron el acceso a Daevid Allen, australiano, por lo que éste regresó a París y fundó la banda Gong, y Soft Machine continuó como un trío.

La grabación del primer álbum de la banda, The Soft Machine, transcurrió en los Estados Unidos dentro del género del rock psicodélico y rock progresivo. De vuelta al Reino Unido, Andy Summers, futuro guitarrista de The Police, se unió a la banda para participar en su gira, pero fue despedido al finalizar ésta a causa de problemas con Kevin Ayers. Después de una actuación en los Estados Unidos, Ayers decide disolver la banda, y sus miembros tomaron caminos distintos. Sin embargo, las obligaciones contractuales hicieron que Soft Machine se reformase en 1969 con Wyatt, Ratledge y el bajista Hugh Hopper para editar Volume Two, considerado como el disco que sentó las bases del jazz fusión. A pesar de los problemas en el interior de la formación, el periodo que va de finales de la década de 1960 a comienzos de la de 1970 fue el más intenso en cuanto a grabaciones se refiere.

Amigas y amigos, esta noche en Clasicos del Futuro, continuando con el ciclo de los mejores álbumes de 1969, La banda inglesa Soft Machine, pionera de la escena Canterbury y su álbum Volumen II, con
Robert Wyatt Trabajos vocales y bateria
Mike Ratledge Teclista
Hugh Hopper Bajista

SEGUNDA PARTE
Kevin Ayers fue miembro fundador de una de las bandas pioneras de la psicodelia de los años 60’s, Soft Machine, asociada a la Escena de Canterbury. Ayers grabo varios álbumes como solista, en los cuales colaboraron artistas muy variados, como Brian Eno, Syd Barrett, John Cale, Elton John, Robert Wyatt, Andy Summers, Mike Oldfield, entre otros.

Ayers es hijo del productor de la BBC Rowan Ayers, pero tras la separación de sus padres y la boda de su madre con un funcionaro inglés, pasó la mayor parte de su infancia en Malasia. Luego de regresar a Inglaterra a los doce años de edad, pasa sus primeros años de estudio con los músicos de la naciente Escena Canterbury. Entró rápidamente en el conjunto Wilde Flowers, integrado por Robert Wyatt y Hugh Hopper, así como otros futuros miembros de Caravan.

La banda Wild Flowers se convierte pronto en Soft Machine (en homenaje al libro homónimo de William Burroughs publicado en 1961) con la incorporación de Mike Ratledge al teclado y el guitarrista Daevid Allen. Ayers pasa al bajo (guitarra y bajo tras la partida de Daevid Allen del grupo) y comparte las voces con el baterista Robert Wyatt, cuya voz vibrante de tenor hacía contraste con la de barítono de Ayers. Esta fórmula, más la libertad de mezclar sonidos del Rock y del Jazz, configura un sonido nuevo y memorable que llamó rápidamente la atención. La banda compartía habitualmente escenario (generalmente en el UFO Club) con la formación original de Pink Floyd, liderada por Syd Barrett.

Lanzaron su primer sencillo, Love makes sweet music / Feelin', Reelin', Squeelin' en febrero de 1967, generando así una de las primeras grabaciones del movimiento psicodélico británico.

Tras una larga gira por los Estados Unidos como teloneros de Jimi Hendrix, Ayers se siente cansado, vende su bajo Fender blanco de Jazz a Noel Redding y se retira para recuperarse a las playas de Ibiza en España junto a Daevid Allen. Allí atraviesa un período muy inspirado como compositor, que culmina en su primer disco en solitario, Joy of a Toy. El álbum fue, junto con el de Pink Floyd, uno de los primeros lanzamientos del sello Harvest. Joy of a Toy definió a Ayers como un talento único, creador de una música ecléctica. Los antiguos compañeros de Soft Machine vuelven a colaborar con él, y también participa en algunos temas Rob Tait, baterista ocasional de Gong.

Un interesante producto de las sesiones fue el single Religious experience (singing a a song in the morning), en cuyas primeras tomas participó un destacado amigo de Kevin, Syd Barret, a la guitarra y en los coros. Durante mucho tiempo se creyó que Barrett había grabado la guitarra solista que aparece en la edición final, y como tal aparece en varias de sus recopilaciones piratas, pero Ayers ha aclarado que él mismo toco el solo, emulando el estilo del músico. La versión de la canción con el solo de Barrett (considerada en su día demasiado atrevida) vio finalmente la luz como bonus track en la reedición de Joy of a Toy lanzada en 2004.

Amigas y amigos, para cerrar esta audición de los mejores álbumes del 69, los invitamos a escuchar el primer álbum como solista del bajista cofundador de Soft Machine, el músico ingles Kevin Ayers y. Aquí esta este singular trabajo denominado Joy of a Toy.

HOMENAJE A ERIC WOLFSON parte 4

PRIMERA PARTE
Eric Woolfson, cofundador del grupo británico de rock progresista de los 70 The Alan Parsons Project, conocido por éxitos como "Eye in the Sky" y "Don't Answer Me", falleció a causa de un cáncer el pasado 2 de diciembre en Londres a la edad de 64 años.

Eric Woolfson obtuvo su primer trabajo profesional en la música cuando a los 18 años Andrew Oldham lo contrató como músico de sesión. Realizó sus primeras composiciones para músicos como Marianne Faithfull, Peter Noone o Marmalade.

Woolfson nacido el 18 de marzo de 1945 en Glasgow, Escocia fundó en 1975, junto al ingeniero de sonido Alan Parsons, el grupo The Alan Parsons Project, en el que además de tocar los teclados fue coautor de la mayoría de las composiciones. Tras la disolución del grupo en 1987, Woolfson se dedicó a componer música para el teatro. En 2009 publicó su último disco, “The Alan Parsons Project That Never Was”, en el que recuperaba varias composiciones inéditas de The Alan Parsons Project. Su musical Edgar Allan Poe se presenta actualmente en Berlín.

Como productor artístico, Eric ha acumulado varios créditos, trabajando para The Equals, The Tremeloes, Dave Berry y Graham Gouldman, del grupo 10cc. A comienzos de los setenta, Eric desarrolló una interesante trayectoria como mánager. Ese papel lo cumplió exitosamente con Carl Douglas (conocido por su megahit "Kung Fu Fighting"), para citar un caso.

Eric participo en la concepción de los diez albums de The Alan Parsons Project, los cuales lograron en conjunto un total de más de 40 millones de copias vendidas alrededor del mundo. Además, ejerció su rol de pianista y de vocalista en varios de los temas del grupo, entre ellos Eye In The Sky y "Time".

Su más ambiciosa obra fue Freudiana, la cual en 1991 fue llevada al teatro en Viena, con una aclamada crítica del público y la prensa. "Freudiana" marcó el final de su participación en The Alan Parsons Project.

Amigas y amigos, suspendemos hoy nuestro ciclo de los mejores álbumes del 69, para hacer un pequeño homenaje a Eric Wolfson, pilar fundamental de The Alan Parsons Project, fallecido el pasado 2 de diciembre. Los invitamos a escuchar apartes de su última producción musical Eric Woolfson sings The Alan Parsons Project That Never Was, una colección de canciones antiguas nunca antes publicadas, muchas de ellas retocadas o complementadas con nuevas pistas. Un trabajo singular, que no puede faltar en la colección de cualquier fiel seguidor de Wolfson y Parsons

HOMENAJE A ERIC WOLFSON parte 2

SEGUNDA PARTE
Apartes de la entrevista concedida por Eric Wolfson a La factoría del ritmo

• Cuando estaba repasando los archivos para posibles bonus tracks de ediciones remasterizadas de TAPP me lleve la grata sorpresa de encontrar muchísimo material. Este hecho me hizo recordar que aunque Alan era el ingeniero/produtor y por lo tanto el capitán del barco en lo tocante a decisiones en el estudio, en muchas ocasiones teníamos opiniones encontradas acerca de incluir canciones que luego resultaron en algunos de los temas más conocidos de TAPP. En concreto "Eye in the Sky" y "Don´t answer me" fueron dos temas que a Alan ni le convencieron mucho ni quería incluir. Ahora, escuchando temas por los que en aquella época no luché lo suficiente me hacen desear que ojalá lo hubiera hecho.

• Mi pasión inicial por esos temas de repente renació y me di cuenta de que creativamente hablando quería terminar el trabajo, así que no me voy a disculpar por lo que ha sido una gozosa actividad. Además, reconozco que mientras iba grabando o completando las grabaciones de estos temas me lo pasé particularmente bien moldeando las canciones a mi propio gusto, en vez de ponerlas en manos de otro productor.

• Normalmente las gentes que me inspiran, por ejemplo Antonio Gaudí o Sigmund Freud, crearon obras mágicas, pero sus vidas, sin embargo, fueron bastante anodinas. Pero en el caso de Allan Poe, no sólo sus trabajos son asombrosos, sino que su vida fue aún más delirante. Así que en el caso de Poe la inspiración para el musical es doble así que no es nada casual el que haya escrito más canciones inspirado en Poe que en cualquiera de mis otros héroes.

• En realidad TAPP no fue un grupo musical. Era más bien una alianza creativa entre Alan Parsons y yo. Su papel era el de ingeniero de sonido y productor y en ese papel hay que decir que demostró un talento excepcional, siendo probablemente el mejor de aquellos tiempos. Mi papel se centró básicamente en el área de composición creativa y conceptual, pero también estuve involucrado tocando y cantando. También fui el manager del proyecto.

• Como todos los que estuvimos metidos en el proyecto, estoy más que orgulloso de lo que creamos. Nuestra meta inicial era crear piezas de calidad que no perdieran con el tiempo y creo que lo hemos conseguido. De hecho, con el desarrollo de las tecnologías de masterización las nuevas ediciones remasterizadas de los álbumes de TAPP suenan mejor que nunca, suenan tan bien como en aquel momento mágico en el que una vez que un álbum estaba completo se tocaba en la sala de control por primera vez.

• "Alan Parsons Project era un grupo tan mío como de Alan, fue decisión mía que el grupo no hiciera referencia a mi nombre. Alan era más conocido, y yo estaba más cómodo en la sombra"

• Como cualquier grupo, cuando empezamos en 1975 estábamos tremendamente emocionados y excitados. Entrábamos en terreno poco explorado, y teníamos un montón de ideas que desarrollar. Lógicamente en cada nuevo trabajo se hacía más difícil encontrar ideas frescas. Tras 10 discos estaba claro que nuestras ideas nos llevaban en direcciones diferentes. En cuanto a mi álbum favorito, todos lo son. De todas formas el primero, Tales of history and imagination me resulta muy especial, aunque pienso que nuestro punto culminante fue Eye in the sky.

HOMENAJE A ERIC WOLFSON parte 3

TERCERA PARTE
Eric Woolfson era el alma y cerebro en la composición de las letras y música de The Alan Parsons Project, tanto es así, que en su mayoría, los seguidores de la banda creen firmemente que esta sociedad musical debió ser llamada The Parsons-Woolfson Project.

A partir de la década de los setenta, Eric Woolfson se vuelca de lleno en su sociedad musical y junto a Alan Parsons (con algunas colaboraciones de Andrew Powell) escribe los 11 álbumes de The Alan Parsons Project, cada uno de ellos enfocando un tema en particular.

Es así como desde su primer trabajo Tales of Mystery and Imagination, basados en cuentos de Edgar Allan Poe, Eric y Alan enfocan su música en un Pop-Rock conceptual, donde todos y cada uno de sus posteriores LPs siguen una misma causa o tema en común, idea que nace en trabajos anteriores de Alan Parsons junto a Al Stewart (Time Passangers, The year of the cat) donde el Rock conceptual acapara su atención, al igual que grupos como Pink Floyd o The Who.

En I Robot, el segundo trabajo de APP, considerado entre los mejores 100 discos de la historia, la dupla enfoca su talento inspirado en obras de Isaac Asimov, Pyramid, su tercera obra, destaca los misterios y maravillas del Egipto ancestral, así como en Eve, el encanto y la magia de la mujer, por citar algunos ejemplos.

Fue sin embargo con Eye in the sky donde Alan y Eric llegan a la cúspide de su popularidad, un álbum enteramente realizado con ideas sobrantes de su trabajo anterior The Turn of a Friendly Card y que basa su concepto en la vigilancia y la falta de privacidad en nuestras vidas, ideas que a Woolfson le llegan en una visita a un casino rodeado de cámaras y personal de vigilancia.

Otros trabajos como Vulture Culture, Ammonia Avenue y Stereotomy significaron un aporte comercial para la banda, trabajos un poco más carentes del brillo y genialidad anteriores, pero que aún así llegaron a lugares muy altos de popularidad. Poco después llega Gaudi, inspirado en el genio arquitectónico de Antonio Gaudí en una visita de Woolfson a Barcelona, donde descubre el esplendor de su obra en La Sagrada Familia, título que define al principal tema del álbum y que lleva su mismo nombre.

En esta disco, APP redescubre su veta inspiradora de la mano de Woolfson, retomando la genialidad de su inspiración.

HOMENAJE A ERIC WOLFSON parte 4

CUARTA PARTE
En 1990, The Alan Parsons Project edita su último álbum bajo el título Freudiana, esta vez, Woolfson es inspirado por Sigmund Freud, y bajo la batuta de un experiente Alan Parsons, Freudiana se transforma en el LP más complejo, estetico y brillante de la banda, donde se mezclan con absoluta armonía, conceptos y estilos sumamente dispares. Freudiana significaría el álbum nº 11 de The Alan Parsons Project, pero aparece en escena Brian Brolli, a quien Alan no conocía y que había sido previamente socio de Andrew Lloyd Webber, con quien creó varias comedias musicales, como Cats y The Phantom Of The Opera.

Brolli, quien se transforma en el director artístico de la obra, convence a Woolfson de transformar Freudiana en un espectáculo teatral, llevando el disco a un nuevo concepto y degenerando en una disputa entre Alan Parsons y Eric Woolfson, decidiendo este último, firmar Freudiana como un álbum solista, el primero en su carrera, y no como el trabajo de The Alan Parsons Project.

La obra fue estrenada en el teatro Ann Der Wein de Viena, Austria, sin embargo, las cosas cambiaron para mal cuando Brolly y Woolfson se enfrentaron por el control del proyecto.

La disputa, en la que resultó perdedor Woolfson, fue llevada a la Justicia, y las pérdidas lo dejaron en bancarrota. Durante mucho tiempo la adquisición de este álbum (del que exsite una versión Black y una White) fue prácticamente imposible, remitiéndose solo al teatro donde se realizaba la obra.

Tras la disolución de The Alan Parsons Project, Woolfson edita trabajos como Gaudi (1996) esta vez llevándola a un concepto totalmente teatral y diferente del Gaudi de APP, Gambler Das Geheimnis Der Karten (1997) y Poe: More Tales of Mystery and Imagination (2003).

De Eric Woolfson se rescata una veta teatral en sus obras, camufladas siempre en el sonido de rock estetico gracias a la obra de Alan Parsons, quien sin este último, ve liberada su idea y asume su rol de creador de obras y puestas en escena teatrales, tal es el caso de su última obra Poe protagonizada por Steve Balsamo protagonista de Jesucristo Superstar.

Su poesía y musa inspiradora ha convertido a Eric Woolfson en uno de los mas estéticos, inventivos e inspirados músicos contemporáneos y un ejemplo de productividad para generaciones posteriores de compositores y productores.

Como colofón de este pequeño homenaje, los invitamos a escuchar nuevamente apartes del último trabajo musical de Eric Wolfson, del año 2009 y denominado: Eric Woolfson sings The Alan Parsons Project That Never Was

MUERE ERIC WOLFSON

Eric Woolfson, cofundador del grupo británico de rock progresista de los 70 The Alan Parsons Project, conocido por éxitos como "Eye in the Sky" y "Don't Answer Me", falleció a causa de un cáncer el pasado 2 de diciembre en Londres a la edad de 64 años.

Eric Woolfson obtuvo su primer trabajo profesional en la música cuando a los 18 años Andrew Oldham lo contrató como músico de sesión. Realizó sus primeras composiciones para músicos como Marianne Faithfull, Peter Noone o Marmalade.

Woolfson nacido el 18 de marzo de 1945 en Glasgow, Escocia fundó en 1975, junto al ingeniero de sonido Alan Parsons, el grupo The Alan Parsons Project, en el que además de tocar los teclados fue coautor de la mayoría de las composiciones. Tras la disolución del grupo en 1987, Woolfson se dedicó a componer música para el teatro. En 2009 publicó su último disco, “The Alan Parsons Project That Never Was”, en el que recuperaba varias composiciones inéditas de The Alan Parsons Project. Su musical Edgar Allan Poe se presenta actualmente en Berlín.

ALBUMES DEL 69 / In the court of the Crimson King / Stand Up / KING CRIMSON/JETHRO TULL

PRIMERA PARTE
Celebrando sus 40 años discográficos, la banda inglesa King Crimson, Robert Fripp, guitarrista líder de la banda y único miembro permanente desde sus orígenes, ha relanzado 3 álbumes clásicos:
• Red,
• Lizard, y el legendario
• In the Court of the Crimson King.

Este año se cumplieron 40 años de la grabación – realizada en julio y agosto – del primer elepé de King Crimson editado en octubre de 1969 y de nombre In The Court Of The Crimson King (En la corte del rey Carmesí)) . Al principio la producción estuvo a cargo de Tony Clarke ,conocido por sus trabajo como productor en disco de Moody Blues, pero más tarde fueron miembros del grupo los que la asumieron (fundamentalmente en manos de Robert Fripp y de Greg Lake).

El técnico de sonido fue Robín Thompson y todo se grabó en un multi-pistas de 8 canales en los Wessex Sound Studios londinenses. Thompson tuvo que realizar numerosos overdubs (mezclar unas pistas grabadas con otras para dejar espacio libre para más grabaciones) debido a las numerosas pistas requeridas para los arreglos orquestales tocados con mellotrón y vientos. Esto provocó, como se quejaba amargamente Fripp años después, que desapareciesen las pistas en solitario de las guitarras lo que dificultó las remasterizaciones posteriores.

La formación era la siguiente:
Robert Fripp a la guitarra,
Ian McDonald, flauta, clarinete, saxo, vibráfono, teclados, mellotrón y voces, Greg Lake bajo y cantante,
Michael Giles batería, percusión y voces,
Peter Sinfield textos e iluminación y
Barry Godber ilustraciones del álbum.

Damas y caballeros, esta noche, en la primera parte de clásicos del futuro, continuando con la rememoración del rock del 69, regresamos a Inglaterra para encontrarnos con el álbum, considerado el primer álbum de rock progresivo, En la corte del rey Carmesí de King Crimson.
Bienvenidos

SEGUNDA PARTE
Después del evidente suceso que constituyó "This Was", JETHRO TULL, ahora bajo la tutela absoluta de Ian ANDERSON, se lanzó hacia la conquista de nuevos derroteros musicales, básicamente en la combinación de variados estilos que fueran dando forma a la estructura de su música. Con la salida de Mick ABRAHAMS, el cual formaría la agrupación de blues BLODWING PIG, el multifacético flautista y ahora frontman del grupo, tenía la completa libertad de cantar, componer todas las melodías e incluso, darse tiempo para co-producir el álbum, en todos los sentidos, ANDERSON se constituyó en el cuerpo, alma y espíritu del grupo, como lo ha sido hasta la fecha. Enormemente creativo, intuitivo con una vasta formación intelectual (fue estudiante de Arte y Psicología en su natal Escocia), prefería en ese entonces dedicarse a vastas lecturas que alternar en fiestas con Mick JAGGER y Ron WOOD, en ese entonces guitarrista de SMALL FACES, el escocés se forjó una imagen característica: pelo alborotado, indumentaria descuidada, saco largo, botas y flauta en mano, emulando a los antiguos juglares del Medioevo que recorrían los caminos y pueblos llevando consigo su música, relatos y tradiciones.

Este trabajo artístico se constituye en la segunda producción del grupo, constituido por
Ian ANDERSON (voz, flauta, guitarra acústica, armónica, órgano Hammond, piano y balalaika),
Martin BARRE (guitarra eléctrica y flauta),
Glenn CORNICK (bajo eléctrico) y
Clive BUNKER (batería y percusiones), como músico adicional tenemos a David PALMER en los arreglos orquestales.

"Stand Up" reafirma la incipiente solidez de JETHRO TULL, constituyéndose en una producción más integrada que la anterior, robusta, más melódica, empleando influencias tanto clásicas, rockeras, folk, e incluso étnicas, sin olvidar, desde luego, las raíces Jazz-Blues. Es importante señalar que la incorporación de Martin BARRE (ex – GETHSEMANE), dio al grupo un giro creativo dirigido esencialmente al Rock – a diferencia del disco previo -, además la libertad de ANDERSON otorgó al grupo una excelente oportunidad de aprovechar la gran calidad interpretativa de los demás integrantes surgiendo un disco de excelente manufactura y muy bien integrado en sus diferentes estilos.

En resumen, "Stand Up" es el retrato de una banda en proceso de transición que conlleva una estupenda amalgama de estilos musicales variados que, a posteriori, se consolidaría como una de las más grandes, versátiles, ingeniosas y excelentes agrupaciones en el ámbito del Rock Progresivo.

Albumes del 69 / Bayou Country / Live/Dead / CREDENCE CLEARWATER REVIVAL / GRATEFUL DEAD

PRIMERA PARTE
Continuamos hoy con el ciclo especial en el que recordamos lo mejor de la producción musical del año 1969, esta noche concentrados en el rock norteamericano, con las bandas Credence Clearwater Revival y Greateful Dead

Creedence Clearwater Revival fue una banda estadounidense de rock con gran aceptación mediática y muy popular a finales de los años sesenta y comienzos de los setenta.

El grupo estuvo integrado por el cantante, guitarrista principal y compositor John Fogerty, el guitarrista rítmico Tom Fogerty, el bajista Stu Cook y el batería Doug Clifford. El estilo musical de Creedence acompasaba el rock and roll y el género conocido como swamp rock.

Treinta años después de la disolución del grupo, la música de Creedence Clearwater Revival se mantiene como base de la historia de la música estadounidense, y es a menudo citada o incluida en radios y medios de comunicación como influencia de otros músicos.

Mientras llevaban a cabo un calendario de conciertos para capitalizar su álbum debut, La Creencia, nombre con el que tradicionalmente son reconocidos en nuestro medio, trabajó en su segundo álbum, Bayou Country en los RCA Studios de Los Ángeles. Publicado en enero de 1969, el álbum alcanzaría el puesto 7 en las listas de Billboard, convirtiéndose en el primero de una larga lista de éxitos en los siguientes tres años.

Las siete canciones de Bayou Country representaban la lista de temas que conformaban sus conciertos. Por su parte, el álbum mostraba una distintiva evolución, con un sonido más simple y directo en relación al primer álbum del grupo. El single Proud Mary, respaldado por Born on the Bayou, alcanzó el puesto #2 en las listas de Billboard. El tema se convirtió en una de las canciones más versionadas del grupo, con más de 100 grabaciones entre las que se incluía el éxito de 1971 de Ike y Tina Turner. Bob Dylan llegó a nombrar a Proud Mary como su single favorito de 1969. El álbum también incluyó versiones de clásicos como Good Golly Miss Molly de Little Richard.

Amigas y amigos, esta noche en la primera parte de Clásicos del Futuro, La creencia en la revelación del agua clara Credence Clearwater Revival y su segundo álbum, publicado en enero de 1969 Bayou Country.
Bienvenidos.

SEGUNDA PARTE
Grateful Dead (también conocidos entre sus seguidores como "The Dead") fue un grupo de rock y folk estadounidense influido por la psicodelia. Creado en 1965 por integrantes de otro grupo, "Mother McCree's Uptown Jug Champions", Grateful Dead se dieron a conocer gracias a su estilo de composición único y ecléctico –que fusionaba elementos del rock, folk, bluegrass, blues, country y jazz– y por las largas improvisaciones que realizaban en sus actuaciones.

Algunos de los fans del grupo les siguieron de concierto en concierto durante años. Estos seguidores, denominados "Deadheads" ('cabezas muertas'), fueron conocidos por su dedicación a la música del grupo.

Grateful Dead se convirtió en la banda residente de facto de los Merry Pranksters (Bromistas Alegres) de Ken Kesey, con su sonido primerizo altamente influenciado por los Acid Tests ('Tests de Ácido') empapados de LSD de Kesey, así como por el R&B. Sus influencias musicales variaron ampliamente basándose en la música psicodélica de la época, combinándola con blues, jazz, rock and roll y bluegrass. Estas distintas influencias fueron destiladas en un todo diverso y psicodélico que convirtió a Grateful Dead en "los padrinos pioneros del mundo de las bandas de improvisación (jambands)".

La música primeriza de Grateful Dead (a mediados de los 60) fue parte del proceso del establecimiento de lo que fue la "música psicodélica", pero la suya era en esencia una versión "callejera" y "cruda" de ésta. Esto era natural, puesto que tocaban en fiestas psicodélicas, eventos en parques al aire libre, y fiestas privadas en Haight-Ashbury. Dead no tendían a encajar su música en un estilo determinado como el pop, rock, blues, folk rock o country/western. Melodías individuales de entre su repertorio podrían identificarse bajo uno de estos sellos estilísticos, pero en conjunto su música se inspiró en todos estos géneros y más, con frecuencia mezclando varios de éstos. A menudo (tanto en directo como en grabaciones) Dead dejaban lugar a escapadas musicales exploratorias, espaciales, una forma de psicodelia que estaría a medio camino entre extraña y exóticamente bella. Muchos entendidos creen que el auténtico espíritu de Grateful Dead no solía quedar bien captado en estudio.

Las grabaciones más antiguas reflejaban el repertorio en directo de Dead –jams instrumentales largas con solos de guitarra de Garcia, ejemplificadas perfectamente en "Dark Star"– pero en ausencia de la energía de las actuaciones, no obtuvieron muchas ventas. El álbum en directo Live/Dead de 1969 capturó más de su esencia, pero el éxito comercial no les llegó hasta Workingman's Dead y American Beauty, ambos publicados en 1970. Estas grabaciones ofrecían más respaldo acústico y estructuras de canciones tradicionales.

Amigas y amigos, para la segunda parte de Clásicos del Futuro, la banda estadounidense Greateful Dead. Muerta maravillosa y su álbum de 1969 Live/Dead

ALBUMES DEL 69 / LED ZEPPELIN / LED ZEPPELIN II

PRIMERA PARTE
Hace algunos meses conmemoramos en este espacio los 40 años del festival de Woodstock, celebrado en Bethel New York en agosto del 69, ahora queremos invitarlos a que nos acompañen en los programas que restan para terminar el año 2009, para que recordemos cuales fueron los principales álbumes de rock publicados hace cuarenta años en los dos países insignias del género: Inglaterra y EEUU. El primer álbum de King Crimson, los dos primeros trabajos de Led Zeppelin, el Abbey Road de The Beatles, el primer álbum de Yes, el primero de Frank Zappa sin las Madres de la Invención,…y un largo etc. Pues bien, a eso queremos invitarlos a partir de esta audición y durante los próximos jueves que restan del 2009.

Lo haremos en forma aleatoria, iniciando esta noche con los dos primeros trabajos musicales de la banda inglesa Led Zeppelin, publicados en los meses de enero y octubre de 1969

Su primer disco fue publicado exactamente el 12 de enero de 1969, bajo el nombre de Led Zeppelin. Fue grabado en apenas una semana (grabado, mezclado y editado) en los estudios Olympic de Londres en octubre de 1968, empleando apenas 30 horas de estudio y muy pocas horas de ensayo. Al principio, el público británico no respondía muy efusivamente al lanzamiento del álbum, producido por Page, lo que se convertiría en una constante a lo largo de la historia del grupo, un hecho que provocó que la banda no publicase sencillos en Inglaterra. Tras embarcarse en su primera gira norteamericana y gracias a las explosivas actuaciones de la banda, el álbum tuvo un éxito inmenso en crítica y público, sobre todo en Estados Unidos. La prensa calificó al álbum como heavy metal, algo con lo que la banda no estaba de acuerdo. Robert Plant declaró que "es injusto calificar a la banda como heavy metal, ya que un tercio de nuestra música es acústica".

Recordemos que la banda estaba liderada por el guitarrista Jimmy Page quien había hecho parte de la banda Yardbirds, la cual prácticamente disolvió, para crear Led Zeppelin, imprimiéndole a su música una fuerza interpretativa incomparable y absolutamente sorprendente para la época. El poderoso sonido de Led Zeppelin les valió la consideración de la crítica, avanzados los años 70, de ser la mejor banda de rock de la historia.

Pues bien, sin mas preámbulos los invitamos a escuchar en la primera parte de Clásicos del Futuro, lo mejor del primer álbum de Led Zeppelin.

Bienvenidos

SEGUNDA PARTE
1969 fue un año muy productivo para el rock, en ese año se produjeron, por lo menos media centena de discos roqueros que habrían de convertirse en clásicos: El famoso Abbey Road de los Beatles, Arthur, el gran disco de The Kinks, Barabajagal, uno de los grandes discos de Donovan, el único e insuperable Blind Faith, el segundo y genial disco de Blood Sweat & Tears, El Chicago Transit Authority, Family Entertainment de Family, Goodbye de Cream, el segundo de H.P. Lovecraft, el grandioso Hot Rats de Zappa, Kozmic Blues, el clásico de Janis Joplin, In the Court of the Crimson King, clásico de clásicos de toda la vida, y los dos primeros de Led Zeppelin.

También aparecieron en ese año: Let it Bleed de los Rolling, el primero de Santana, el fenomenal Shady Grove de Quicksilver, Space Oddity de Bowie, el discazo que se llama Stand! de Sly & the Family Stone, The Corporation, con su disco homónimo, The Turning Point de John Mayall, Tommy, la primera rock ópera, Ummagumma, de Pink Floyd, Volunteers, de Jefferson Airplane y With a Little Help from my Friends de Joe Cocker.

Continuando con los primeros trabajos de Led Zeppelin, anotamos la siguiente curiosidad: Durante la gira de apoyo al disco Led Zeppelin I en Dinamarca, el grupo actuó bajo el nombre de The Nobs por prohibición de la baronesa Eva von Zeppelin (familiar del inventor del dirigible) a utilizar su nombre real, quien arguyó que eran unos "monos gritones", además de criticar la portada del disco, foto cortesía del ex-bajista de la banda, Chris Dreja. Otro detalle curioso: las autoridades de Singapur impidieron a la banda entrar en el país para dar un concierto debido a que tenían el pelo demasiado largo.

Durante 1969, la banda se las arregló para terminar las giras europeas y americana y grabar durante las mismas su segundo trabajo, que fue publicado el 22 de octubre de dicho año bajo el nombre de Led Zeppelin II. Este álbum los consagró definitivamente, llegando al número 1 en las listas británica y estadounidense (destronando al Abbey Road de The Beatles) y permaneciendo allí durante siete semanas, probablemente gracias al éxito de temas como "Whole Lotta Love" y "Heartbreaker".

Los invitamos a escuchar en la segunda parte de Clásicos del Futuro lo mejor del segundo trabajo de Led Zeppelin, con

• Jimmy Page - Guitarra acústica, eléctrica, pedales, segundo vocalista, productor
• Robert Plant - Vocalista, harmónica
• John Paul Jones - Bajo, órgano, teclados, segundo vocalista
• John Bonham - Batería, Percusión, timbal, segundo vocalista